Das Porträt des Bösen? Ja, das bietet dieser Film. Und sonst?

J. Edgar Hoover (1895 – 1972), hat fast ein halbes Jahrhundert, 48 Jahre, der US-amerikanischen Bundespolizei FBI, vorgestanden. Sein enormer Kommunistenhass ist berühmt-berüchtigt. Auch seine Skrupellosigkeit. Er soll selbst US-Präsidenten bespitzelt, Dokumente gnadenlos für seine Vorhaben gefälscht, engste Freunde ans Messer geliefert haben. Die Geheimakten, die er über die angeblichen Feinde der Demokratie anlegen ließ, und die er, wenn es ihm nutzte, eiskalt mit Erfundenem ausschmückte, füllen riesige Archive. Sein persönliches Leben aber ist nahezu unbekannt. Gerüchte gibt es, ansonsten fast nichts. Regisseur Clint Eastwood und Autor Dustin Lance Black , der für sein Drehbuch zu „Milk“ einen „Oscar“ bekam, hatten also alle Freiheit im Erzählen. Die nutzen sie klug, verlieren sich jedoch nicht in reißerischen Spekulationen.

Der Film beginnt in den 1960er Jahren: J. Edgar (Leonardo DiCaprio) diktiert Erinnerungen. Seine Erinnerungen, ganz subjektiv. 1919, noch vor Gründung des FBI, hebt er an. Hier weht ein Hauch Abenteurertum. Der wird bald von Karrieresucht abgelöst. Der Mann will immer nach oben und am liebsten noch höher.

Der Film heißt „J. Edgar“ und nicht „Hoover“, weil der Mann, der im 20. Jahrhundert lange Zeit einer der mächtigsten der USA ist, bis zu deren Tod mit seiner Mutter (Judy Dench) zusammen lebt und nie aus ihrem Schatten heraus kommt. Der folgsame Junge aus bigottem Hause hat nie die Chance, wirklich selbständig zu werden. Neben der dominanten Mutter sind die lebenslange Assistentin Helen (Naomi Watts) und der Vertraute Clyde (Armie Hammer) die wichtigsten Begleiter. Zu ihr gibt es einmal den Versuch einer Annäherung, mit ihm teilt J. Edgar über viele, viele Jahre das Privatleben. Ob es je eine körperliche Beziehung, zu wem auch immer, gab, ist nicht bekannt. Im Film gibt es einmal ein „Ich liebe Dich“. Das Echo darauf wird nicht gezeigt.

Schon sehr bald nach Filmbeginn interessiert nicht mehr, was der Mann nun für eine Sexualität hatte, falls überhaupt. Entscheidender ist eine Frage, die im Verlauf des Geschehens einmal gestellt wird: Was ist wichtiger, der gute Ruf eines Mannes oder der einer Institution? – Hoovers Diktate, die jeweils Anlass für lange Rückblenden sind, geben seine eindeutige Antwort. Eastwood und Co. halten sich zurück. Das ist der Schwachpunkt des Films: Er bezieht keine Position, mit der man mitgehen oder an der man sich reiben könnte. Damit vergibt sich „J. Edgar“ die Möglichkeit, den Lebenslauf J. Edgar Hoovers als Spiegel des von den Herrschenden geförderten öffentlichen Denkens in den USA zu nutzen. Somit gerät der Film über eine der berüchtigten politischen Figuren der westlichen Welt im vorigen Jahrhundert nebulös unpolitisch. Das hinterlässt einen leicht bitteren Nachgeschmack.

Das psychologische fein ziselierte Porträt, das allen voran Hauptdarsteller Leonardo DiCaprio mit feinnervigem Spiel entwirft, zeigt ein Muttersöhnchen im Rampenlicht. Das ist packend. In manchen Szenen meint man im Kino J. Edgars Angstschweiß zu riechen. Kriechernatur einerseits und Machtmensch andererseits – das zu sehen ist spannend. Ein kluger dramaturgischer Trick, der hier nicht verraten sei, bringt den Zuschauer schließlich dazu, Mitleid, Verachtung und Respekt für J. Edgar Hoover zu empfinden. Er wird sowohl als tragische Figur wie als Monster erkennbar. Das kommt der historischen Wahrheit sicherlich nahe. Alle, die sich für vertrackte Lebensmuster interessieren, werden mit Spannung bedient. Wer aber ein – gerade auch mit Blick auf die Gegenwart – erhellendes Kunstwerk über das Mit- und Gegeneinander von Individualität und Gesellschaft erwartet, dürfte das Kino doch etwas enttäuscht verlassen.

Peter Claus

J. Edgar, von Clint Eastwood (USA 2011)

Bilder: Warner

Was tun gegen rechte Gewalt? Die Frage steht seit Jahren hierzulande an. Nicht erst die Untaten der rechtsextremistischen Terrorgruppe namens „Nationalsozialistischer Untergrund“ (NSU), in den Medien oft kurz „Zwickauer Zelle“ genannt, haben dieser Frage Gewicht gegeben.

Autor und Regisseur David F. Wnendt hat seinen Film lange vor dem öffentlichen Bekanntwerden der so genannten „Zwickauer Zelle“ konzipiert. Da verwundert es, dass dieser Film derzeit gern in manchen Medien so gehandelt wird, als sei er ein Kommentar zu den Ereignissen. Was auch Angst macht: Schaut, hier haben wir doch einen aufklärerischen Film, wir tun doch was, so die unterschwellige Botschaft manchen Berichts, der damit eine falsche Beruhigung suggeriert.

Der Film selbst taucht mit oft dokumentarisch anmutendem Gestus in die rechte Szene in einer deutschen Kleinstadt: Marisa (Alina Levshin), Supermarktkassiererin, hasst Ausländer, Andersfarbige, Juden, Politiker, Gesetzeshüter. Wenn sie kann, schlägt sie zu. Am wohlsten fühlt sie sich in einer Clique saufender und prügelnder Nazis. Zu Filmbeginn sehen wir sie, wie sie Reisende in einem Zug terrorisieren. Der Anführer, Marisas Sexpartner, wird verhaftet, verurteilt und hinter Gittern verwahrt. Aber nur kurz. Schon bald darf er wieder raus. Zusammen mit Marisa und den anderen lässt er sich unter anderem mit Propagandamaterial aus der Zeit des deutschen Faschismus „schulen“. An einem See tauchen zwei Jugendliche auf, fremd aussehend, Jamil (Najebullah Ahmadi) und Rasul (Sayed Ahmad Wasil Mrowat). Sie können fliehen. Aber Marisa setzt sich ans Steuer ihres Autos und lässt ihren blindwütigen Hass an den zwei jungen Männern aus: Sie steuert den Wagen gezielt gegen die Beiden, die auf einem Moped fahren. Es kracht. Die Jungen landen im Straßengraben.

Die ausführlichen Recherchen von David Wnendt machen sich bis hierhin bezahlt. Der Film besticht als kühle und kühne Milieustudie. Unterhaltsam ist das nicht, will es auch nicht sein. Aber: Was will der Film? Es gibt nicht einen Moment, in dem die Nazi-Szenerie attraktiv wirkt. Dumpfer, alkoholgeschwängerter Mief und abstoßende Brutalität prägen die Bilder. Doch nach Marisas Gewalttat wird die Story zum Krimi und zum Psychodrama. In der Nazi-Clique bekommt die 20-jährige Marisa in der 15-jährigen Svenja (Jella Haase) erst eine Konkurrentin, dann eine Begleiterin. Und nun, ausgelöst auch durch eine Begegnung mit einem der zwei ausländischen Jungs vom Badesee, beginnt Marisa die Welt mit anderen Augen zu sehen, will gar aussteigen. Wirklich glaubwürdig ist das nicht.

David Wnendt ist der erste hierzulande, der eine Frau ins Zentrum eines Films zum Thema Nazis heute in Deutschland stellt. Das ist interessant, geht aber über bereits Bekanntes nicht hinaus. Beweggründe und Motive dieser Figur werden nicht sichtbar. Und die eingangs gestellte Frage, die gerät völlig ins Aus. Sie kommt gar nicht vor. Einzig ein paar küchentischpsychologische Wahrheiten über die unheilvollen schwierigen Kindheiten kommen ins Spiel. Das ist etwas zu wenig, um mit diesem Film ein weiterführendes Nachdenken über das momentane Erschrecken hinaus zu bewirken.

Peter Claus

Kriegerin, von David Wnendt (Deutschland 2011)

Bilder: Ascot Elite

Isabelle Huppert darf Clown sein. Oft wurde ihr das noch nicht gewährt. Am erfolgreichsten bisher in François Ozons „8 Frauen“. Das ist nun aber auch schon ein paar Jahre her. In der Regel tritt die Star-Schauspielerin in Dramen und Tragödien auf, oft dem Bösen verlockend Gestalt verleihend.

Böse sein darf Isabelle Huppert in dieser Komödie auch. Sie spielt eine Frau aus besseren Kreisen, Agathe, eine erfolgreiche Galeristin. Madame ist überaus gebildet und bildet sich darauf jede Menge ein. Da ist es an sich schon urkomisch, dass ausgerechnet sie sich in den trinkfesten Proleten Patrick verguckt. Eine Elternsprechstunde in der Schule bringt beide zusammen. Was Agathes Gefährten François ins Abseits und Patrick in den Mittelpunkt ihres Lebens rückt. Chaos also muss kommen.

Regisseurin Anne Fontain setzt auf den Reiz von Gegensätzen, die sich anziehen. Dabei gibt sie dem Hauptdarsteller-Trio viele Chancen, verbal und körperlich mit kraftvoller Komik zu brillieren. Die drei Stars nutzen das effektvoll aus, allen voran Isabelle Huppert. Man liegt schon flach vor Lachen, wenn man nur beobachtet, was sie alles mit ihren Augen anstellt. Darin spiegelt sich Sehnsucht und Zärtlichkeit, Zorn und Arroganz, Furcht und Intelligenz. In vielen überdrehten Momente des turbulenten Geschehens, erzählt die Huppert mit abschätzigen, strahlenden, angstvollen, genervten oder auch mal schlicht kuh-blöden Blicken mehr als viele Dialoge. Wobei der Sprachwitz des Films über weite Strecken ebenfalls beträchtlich ist. Jedenfalls im Original.

Fans der dramatischen Aktrice Isabelle Huppert werden wohl staunen, mit welcher Lust sie hier Klamauk serviert. Da ist einem der Fortgang der überschaubaren Story recht bald ziemlich egal. Man lacht, man schmunzelt, man amüsiert sich, nicht mehr und nicht weniger.

Peter Claus

Mein liebster Alptraum, von Anne Fontain (Frankreich/ Belgien 2011)

Bilder: Concorde

„Das Leben der Anderen“ hat das Thema Stasi & Co ja schon „Oscar“-reif zur Schmonzette verarbeitet. Können wir abhaken. Muss nicht mehr im Kino reflektiert werden. Jedenfalls nicht so, wie in der wabernd-pseudoreligiösen Schnulze. Wenn, wie jetzt, in „Das System – Alles verstehen, heißt, alles verzeihen“, dann allerdings sehr wohl! Denn der Film blickt tatsächlich nicht aufs Gestern, sondern aufs Heute, zeigt dabei freilich sehr genau, was die Gegenwart aus ihren Wurzeln in der Vergangenheit Prägendes zieht.

Mike (Jacob Matschenz), der Anti-Held der Story, ist so um die 20. Ein Kleinkrimineller aus einer Plattenbausiedlung. Zusammen mit Kumpel Dustin (Florian Renner) klaut er hier und da und dort und schlägt sich so durch. Das ändert sich durch die Bekanntschaft mit dem wesentlich älteren Konrad (Bernhard Schütz). Der wird zum Freund und damit zum Ersatz für den Vater, den Mike nie hatte. Konrad mischt erfolgreich in der Baubranche mit und verhilft Mike zu wichtigen Erkenntnissen. Und die führen zu Mikes Erzeuger – und damit ins Geflecht noch heute existierender Stasi-Verbände. Mike will mehr und mehr herausbekommen und bringt sich damit in große Gefahr. Spannungssteigerung ist also garantiert.

Das Autoren-Duo Dörte Franke und Khyana El Bitar hat eine starke Story entwickelt, in der Privates geschickt das Politische spiegelt. Solides Schauspiel und eine gekonnte Bildgestaltung, die kühl alle Leere in den Seelen der Protagonisten spiegelt, packen. Mancher Dialog ist überflüssig, illustriert mehr als dass er erhellt. Aber dies ist ein Debütfilm, da hört man über kleine Stolperer gern hinweg. Beeindruckend ist die Geradlinigkeit und Wahrhaftigkeit, mit der hier deutsch-deutsche Geschichte und Gegenwart erhellt werden – sehr viel ehrlicher und genauer als je zuvor in einem deutschen Kinofilm, der nach 1990 gedreht wurde!

Peter Claus

Das System – Alles verstehen heißt alles verzeihen, von Marc Bauder (Deutschland 2011)

Bilder: Filmlichter

Hollywood setzt gern auf Nummer sicher. Da fallen Novitäten gern hinten runter. Fortsetzungen von Hits oder Neuverfilmung von Erfolgen versprechen in der Regel gut gefüllte Kassen. Und nur die zählen. Dass da oft die Kunst keine Chance hat, interessiert die Produzenten nicht. Die US-amerikanische Version von „Verblendung“ verblüfft vor diesem Hintergrund. Der Krimi ist selbst jenen zu empfehlen, die bereits die vor zwei Jahren herausgekommene europäische Erstverfilmung des Bestellers genossen haben. Regisseur David Fincher hat den weltweit verschlungenen Roman des Schweden Stieg Larsson stilvoll, raffiniert und selbst für Kenner der Geschichte überraschend adaptiert. Fincher-Fans wundert das nicht. Seit seinem furiosen Schocker „Sieben“ (1995) gilt er als Meister apokalyptischer Schreckensvisionen von außerordentlichem Unterhaltungswert. Bei der Story haben sich David Fincher und sein Drehbuchautor Steven Zaillian, der seit der Arbeit für Steven Spielbergs „Schindlers Liste“ (1993) zu den bestbezahlten Schreibern Hollywoods gehört, ziemlich genau an die Vorlage gehalten: Journalist Mikael Blomkvist (Daniel Craig) wird zum Buh-Mann, weil er einer bei einem Enthüllungsreport Fehlinformationen auf den Leim gegangen ist und nicht ausreichend recherchiert hat. Weil dadurch nicht nur um den guten Ruf gebracht, sondern auch finanziell ruiniert, greift er zu, als ihm ein reicher Geschäftsmann (Christopher Plummer) einen lukrativen Auftrag als Detektiv anbietet: Mikael soll den Fall von dessen vor Jahrzehnten verschwundener, vermutlich ermordeter Nichte aufklären. Der Ex-Journalist versuchts. Gemeinsam mit der Punkerin Lisbeth Salander (Rooney Mara) macht er sich auf in die Schattenwelt der Vergangenheit und landet geradewegs auf der Straße ins Jenseits. Wer nicht weiß, wie’s weiter geht, glaubt fast bis zum letzten Bild, dass Lisbeth und Mikael niemals lebend aus dem Schlamassel herauskommen können. Aber auch wer um den Fortgang des Geschehens weiß, wird schon von den ersten Filmszenen völlig gefangen genommen und gerät in den Sog der wahrlich mörderischen Spannung. Zum Rest des Beitrags »

Nachgeliefert: Regisseur Guy Ritchie, Schauspielstar Robert Downey Jr. und Jude Law erwiesen sich vor zwei Jahren mit ihrer ersten Holmes-Hommage als Dreamteam. Glaubt man vielen KritikerInnen, präsentieren sie sich mit ihrem zweiten gemeinsamen Ausflug in die Krimiwelt als Alptraumtrio. Ich hab’ mich bestens amüsiert. Popcorn-Kino. Zwischendurch ist das einfach schmackhaft.

Die Story ist dabei völlig uninteressant. Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.) und Dr. Watson (Jude Law) jagen das Böse. Das sich für Sherlock schon in Watsons Gattin Mary Morstan (Kelly Reilly) personifiziert. Weshalb er sie ziemlich schnell aus der Bahn und dem Geschehen wirft. Anschließend haben die beiden Kerle freie Bahn – und die Zuschauer das Vergnügen. Das resultiert aus einem geschickten Mix. Action, Humor und Spannung sind wohlig miteinander vermischt. Das Ermittler-Duo wirkt wie clevere Vorfahren von James Bond. Allerdings: 007, der Agent Ihrer Majestät, im Fummel? Unvorstellbar! Holmes kann das. Und Robert Downey Jr. erst recht. Überraschung: Der Film offeriert doch tatsächlich so etwas wie eine Lovestory zwischen Holmes und Watson – komisch und anrührend.

Aber, Achtung: die deutsche Synchronversion ist mal wieder, ich muss so deutlich werden, „unter aller Sau“. Da wird auf grobe Gags gesetzt, dass es unentwegt kracht. Sehr bedauerlich, ein Ärgernis. Vielleicht hat das die erstaunlich hohe Zahl an Negativ-Rezensionen bewirkt? Wer kann, wer etwas davon hat, weil sicher im Englischen, gehe in die Originalfassung.

Peter Claus

Sherlock Holmes 2: Spiel im Schatten, von Guy Richie (USA 2011)

Bilder: Warner

Olivier Nakache und Eric Toledano, ein bewährtes Regie-Duo, erzählt von der Freundschaft eines Sozialhilfeempfängers und eines reichen Behinderten. – Das klingt nach gruseliger Schmonzette. Geboten aber wird ganz anderes, nämlich eine erstaunlich wahrhaftig anmutende, herzerwärmende Komödie vom Feinsten. Die von wirklichem Geschehen angeregte Story ist originell, das Schauspiel von Güteklasse A und die Inszenierung effektvoll, ohne reißerisch anzumuten.

Die Protagonisten: Der junge Farbige Driss (Omar Sy) und der etwa drei Jahrzehnte ältere Weiße Philippe (François Cluzet). Ersterer ist arm, der Zweite stinkreich. Aber Philippe ist querschnittsgelähmt und engagiert Driss als Pfleger. So kommen die Beiden zusammen, geraten erstmal gehörig aneinander, um dann schließlich eine wahrlich wunderbare Freundschaft aufzubauen. Klar: es gibt auch Trubel, Chaos und andere erfreuliche Episoden. Nur Klamauk, den gibt es zum Glück nicht.

Omar Sy und François Cluzet dürfen ihrem Affen Zucker geben. Das machen sie mit Schmackes. Doch die Zwei übertreiben dabei nicht, so dass die Geschichte und die Charaktere glaubwürdig bleiben. Schön, dass das Thema „Behinderung“ hier einmal wirklich locker beleuchtet wird, unverkrampft, realistisch, ohne dass dabei etwas beschönigt wird. Weil absolut souverän in Schauspiel und Inszenierung kann beispielsweise gezeigt werden, wie schwierig für Philippe allein schon ein Besuch der Toilette ist. Da bekommt der Film eine schöne Größe, die von Würde gestützt wird.

Peter Claus

Ziemlich beste Freunde, von Olivier Nakache und Eric Toledano (Frankreich 2011)

Bilder: Senator

Es darf gestritten werden. Die einen schimpfen: „Kitsch!“ Die anderen schwärmen. So war’s schon in Venedig, im letzten Herbst, nach der Uraufführung. So wird es nun wohl auch anlässlich des deutschen Kinostarts sein. Mein Standpunkt: großes Vergnügen, resultierend aus einer nahezu perfekten Balance von Unterhaltung und Geist.

„Persepolis“, der Zeichentrickfilm, der die Jugend der in Paris lebenden Iranerin Marjane Satrapi spiegelt (die den Film zusammen mit Vincent Paronnaud realisiert hat), war 2008 ein wahrlich grandioses Debüt. Darin waren sich alle einig. „Huhn und Pflaumen“ ist kein Abklatsch, keine Fortsetzung. Die Form: Das Regieduo offeriert einen Schauspielerfilm fast klassischen Zuschnitts mit einigen Animationselementen. Und mit einem Übermaß an Phantasie. Womit wir beim Inhalt wären: Dem Geiger Nasser Ali Khan (Mathieu Amalric) wird von seiner wütenden Frau Faranguisse (Maria de Medeiros) das Instrument in Stücke gehackt. Das kostet ihn alle Kraft. Er will sterben. Denn die für ihn unersetzbare Geige war ihm weniger Musikinstrument denn Erinnerung an die Liebe seines Lebens, an Irâne (Golshifteh Farahani). Nicht mal sein Lieblingsgericht, Huhn mit Pflaumen, richtet ihn auf. Nasser Ali Khan fleht den Tod herbei. Tja, und der (Edouard Baer) kommt denn auch zu ihm. Fragt sich nur bis zum letzten Bild, wie das ausgehen soll.

Die Gegenwartsebene des Films liegt ihm Jahr 1958, Rückblenden führen in die Jahre, ja, Jahrzehnte davor, ein Großonkel von Marjane Satrapi gab das Vorbild für die Hauptfigur ab. Offeriert wird das als farbenfrohes, mal kraftvoll-komisches, mal melancholisches Märchenpuzzle, das mit optischen Reizen geradezu wuchert. Kunstgewerbe aber bleibt aus. So wird die Hauptfigur in allen Lebensaltern von Mathieu Amalric ohne Masken- und Schminktricks verkörpert. Damit wird dezent betont, dass die Erinnerungen, die in den Rückblenden wach werden, natürlich ganz aus dessen Sicht, von seinem Empfinden geprägt, gestaltet sind. Sieben Tage, sieben Erinnerungen (im Märchen passiert ja das Wichtige oft sieben Mal!), und über allem liegt ein zauberhafter Geigenklang. Der Franzose Renaud Capuçon – einer der Star-Geiger unserer Tage – spielt (an Stelle von Mathieu Amalric), und Capuçon spielt einfach göttlich. Diese Musik und die visuelle Finesse begeistern. Dazu kommt, dass leiser Humor feine Akzente setzt, die – für mich! – aller Sentimentalität eine Abfuhr erteilen. Da ist der Streitpunkt, das sehen viele anders, sprechen von „Kitsch!“. Weit verbreiteter Vorwurf gegen das Autoren-Regie-Duo: die politische Schärfe von „Persepolis“ wird nicht erreicht. Ich kann das nicht nachvollziehen. Wenn in einer Schlüsselszene Nassder Ali und Irâne einander nach vielen Jahren ein letztes Mal begegnen, dann wird der Film ohne jeden vordergründigen Verweis für mich zu einer poltisch-scharfen Anklage eines von den Machthabern verordneten Lebensstils, der den Frauen eine Rolle nach den Männern zuweist, der die Freiheit des Einzelnen beschneidet, der aufrichtigen Glauben in religiösen Zwang verwandelt. Aber für viele muss es wohl immer der Holzhammer sein. Schade!

Lustgewinn am Rande: Chiara Mastroianni und Isabella Rosselini bezirzen mit köstlich (selbst-)ironischen Gastauftritten. Hauptdarsteller Mathieu Amalric ist einfach nur hinreißend. Sein Können gibt dem Film endgültig eine große Klasse.

Peter Claus

Huhn mit Pflaumen, von Marjane Satrapi und Vincent Paronnaud  (Frankreich/Belgien/Deutschland 2011)

Bilder: Prokino

Eine der schönsten Komödien um die Schwierigkeit, erwachsen zu werden, kam vor drei Jahren aus Norwegen: „Der Mann, der Yngve liebte“. Regisseur Stian Kristiansen, der damit 2008 sein Debüt gab, setzt nun die Geschichte der Hauptfigur fort. Und von einem Aufguss kann keine Rede sein! Zugegeben: Sonderlich toll klingt die Story in Stichworten nicht: Jarle (Rolf Kristian Larsen) bekommt einen Schock, als eines Tages eine siebenjährige Göre (Amina Eleonora Bergrem) vor der Tür steht. Die Kleine erklärt dem 25-jährigen Studenten, dass sie seine Tochter sei, und dass er jetzt eine Zeitlang auf sie aufpassen müsse. – Ähnliches gab es schon mehrfach, etwa im Vorjahr, arg schick und snobistisch erzählt, in „Somewhere“ von Sophia Coppola. Anders als sie aber interessiert Regisseur Stian Kristiansen, der sich das Drehbuch wieder von dem Schriftsteller Tore Renberg schreiben ließ, die soziale Realität von Leuten der Marke „Du und ich“. Jarle, den wir beim ersten Mal Ende der 1980er Jahre trafen, diesmal Mitte der 1990er, liebt nur eins: das Werk von Marcel Proust. Da ist natürlich kein Platz in seinem Herzen für ein Kind, auch nicht für deren Mama. Behauptet jedenfalls Jarle – und ist der einzige weit und breit, der das glaubt. Klar, dass die Geschichte anders weitergeht als er es sich zu Beginn vorstellen kann. Übrigens, im Detail, auch anders, als wohl die meisten Zuschauer erwarten dürften.

Handfeste Milieuzeichnungen und sensible Charakterstudien fesseln von Beginn an. Jarle, der Jung-Intellektuelle, der laut Eigeneinschätzung lieber mit einem Buch ins Bett geht als mit einer Frau, der aber trotzdem grad ganz furchtbar darunter leidet, dass er ungewollt Single ist, wird dabei nie zur Witzfigur. Buch, Regie und Schauspiel nehmen Jarle erfreulich ernst, was dem Humor eine schöne Schärfe verleiht. Seine oft verzweifelten Versuche, sich aus aller Verantwortung, vor allem auch gegenüber sich selbst, zu ziehen, liefern dabei die besten Pointen.

Klar: komödiengerecht kommt auch die Frau Mama (Marte Obstad) noch gehörig ins Spiel. Fader Familienkitsch à la Hollywood jedoch gibt es nicht. Hier wird kein verlogenes Hohelied auf den angeblich unschätzbaren Wert der Familie gesungen. Aber es wird auch kein Klamauk der billigen Art geboten! Bis zum Schlussbild bleibt der Humor trotz aller Schärfe im Ton eher sanft. Und es werden auch Fragezeichen gesetzt, die ohne Antworten stehen bleiben. Hier ist nach dem Lachen Zeit zum Nachdenken. Dabei stellt sich ein interessanter Nebeneffekt ein: Die 1990er Jahre erscheinen einem als Paradies, fern der heute allgegenwärtigen Hektik, weitab von Finanzkrisen und Terrorangst. Da wird der Film sogar zeitkritisch. Wunderbar! – Das Kino Skandinaviens ist nun mal immer wieder gut für schöne Überraschungen.

Peter Claus

Ich reise allein, von Stian Kristiansen (Norwegen 2011)

Bilder: Neue Visionen

Südamerika – Paradies oder Hölle? Der Film geht nach Bolivien. Da fällt die Antwort auf die Eingangsfrage zwiespältig aus. Südamerika ist so reich an Wasser wie kein zweiter Kontinent. Trotzdem herrscht in Bolivien Knappheit am Leben spendenden Nass. Der Grund: die Profitsucht von international arbeitenden Konzernen. Regisseurin Icíar Bollaín erzählt davon nun nicht in einem vordergründig die Missstände anklagenden Drama, sondern – sehr hintergründig – und genau deshalb überaus wirkungsvoll – in einer spannenden Geschichte um die komplizierten Dreharbeiten zu einem Film: Regisseur Sebastián (Gael García Bernal), Produzent Costa (Luis Tosar) und Team reisen nach Bolivien. Sie wollen einen Spielfilm über Columbus drehen, über dessen Gier nach Macht und Ruhm, nach Gold und Sklaven. Die Realität der Gegenwart „funkt“ unentwegt dazwischen. Hauptdarsteller Daniel (Juan Carlos Aduviri) zum Beispiel kämpft aktiv im so genannten bolivianischen Wasserkrieg wider die menschenverachtenden Methoden der Industrie. Da kann die Kunst nur nebensächlich sein – oder?

Iciar Bollain gelang ein packendes Polit-Drama, das auch unterhält. Sich mehr und mehr auf die Zwangslage des Schauspielers – zwischen gesellschaftlichem Engagement und Geldverdienen – konzentrierend, steigt die Spannung rasant an. Die  Entdeckung: der Hauptdarsteller, Juan Carlos Aduviri. Ein Mann mit Star-Potential. Vor allem er macht die Auseinandersetzung mit einer alles andere als glamourösen Wirklichkeit über das Glamour-Medium Film absolut sehenswert!

Peter Claus

Und dann der Regen, von Icíar Bollaín (Frankreich/ Mexiko/ Spanien 2010)

Bilder: Pfiffl

P. S. zu Habemus papam – Ein Papst büxt aus – siehe getidan vom 08. 12. 2011

In der Regel schauen Kritikerinnen und Kritiker die Filme im Original und das, nicht selten bei nicht-deutschen Produktionen, gern vor den Pressevorführungen hierzulande im Produktionsland. So muss zwangsläufig sehr oft eine Beurteilung der Synchronisation ausbleiben. (Zumal auch die Pressevorführungen meist das Original zeigen.) Gelegentlich hagelt‘s dann auch Nutzer-Protest, weil der empfohlene Film in deutscher Fassung nicht mehr den Charme und die Größe des Originals hat. Im Falle von „Habemus papam“ habe ich nun einmal die Probe aufs Exempel gemacht und darf sagen: die Synchronisation ist überaus gelungen. Klaus Sonnenschein, der Michel Piccolis Part spricht, und Janusz Chichocki, er spricht Jerzy Stuhr, der in der wichtigen Rolle des Pressesprechers des Vatikans agiert, und alle anderen, haben ganze Arbeit geleistet! Das deutsche Textbuch (Beate Klöckner, die auch die Synchronregie geführt hat) konnte den doch recht speziellen Witz von Nanni Moretti exzellent übertragen. Wie schon geschrieben: Hut ab!

Peter Claus

Habemus Papam © Prokino

Die Erfindung des Vibrators als Komödienstoff? Der geübte Kinogänger erwartet Deftiges, wenn nicht gar Zotiges und geht mit Skepsis in den Film. Die, das ist rasch klar, muss nicht sein. Es gilt eine handfeste Komödie zu belachen, die sich erfreulicherweise konsequent innerhalb des Grenzen des guten Geschmacks bewegt.

Noch heute soll es ja tumbe Toren geben, die der Meinung sind, dass weibliche Nervenleiden am besten durch Sex zu heilen sind. Noch im 19. Jahrhundert glaubten sogar Mediziner solchen Quatsch. Zwei davon zeigt der launige Film als Männer der Tat. Heißt: sexuelle Stimulierung der Patientinnen ist das A und O. Ganz züchtig, versteht sich. Im spätviktorianischen London, so um 1880, hat sich Dr. Robert Dalrymple (Jonathan Pryce) darauf spezialisiert. Weil ihm die Damen nur so zufliegen, holt er sich Unterstützung in Gestalt des jungen, zudem sehr attraktiven Arztes Mortimer Granville (Hugh Dancy). Was den Klientinnen gut tut, führt bei den beiden Herren zu Muskelverkrampfung in den Händen und den Unterarmen. Hilfe kriegen die zwei Quacksalber von Edmund St. John-Smythe (Rupert Everett). Er bastelt ihnen ein Gerät, das im Laufe der Zeit unter dem Begriff „Vibrator“ eine Weltkarriere machen wird. Zum Rest des Beitrags »

Shakespeare lässt grüßen. Der bei ihm entlehnte Titel deutet auf die Ermordung von Julius Cäsar und damit das Thema des Films: die öffentliche Abschlachtung eines Politikers. Somit ist von Anfang an klar, dass alles Lächeln, mit dem die Geschichte anhebt, falsch ist.

Ausgangspunkt des Geschehens: anstehende Wahlen zum Präsidenten der USA. Die Kandidaten sind auf Stimmenfang. Da gilt es nicht allein, die Konkurrenz aus der jeweils gegnerischen Partei auszuschalten, vor allem müssen erst einmal die Mitbewerber aus den eigenen Reihen abserviert werden. Hollywood hat sich damit schon mehrfach auseinandergesetzt, sehr beeindruckend in „Der Kandidat“. 1964 war das. Wer diesen Film in Erinnerung hat, den gruselt’s angesichts der neuen Inszenierung von George Clooney besonders. Denn es stellt sich der fatale Eindruck ein, dass sich nichts geändert hat, dass die Politik nach wie vor nicht von Vernunft und dem Bestreben, den Wählern zu dienen, geprägt wird, sondern von schlichter Gier nach Macht und Ruhm und Geld.

Die Handlung beginnt mitten im Wahlkampf im US-Bundesstaat Ohio. Mike Morris (George Clooney) ist einer von denen, die für die Demokraten antreten. Ein hochkarätiges Team managet die Wahlkampftour. Paul Zara (Philip Seymour Hoffman), ein alter Haudegen und Freund von Mike, ist der Chef der Truppe. Stephen Myers (Ryan Gosling), ein Jungspund mit viel Idealismus, nach Paul die Nummer zwei. In seinem Bemühen, um jeden Preis erfolgreich zu sein, schießt er übers Ziel hinaus. Entscheidende persönliche und berufliche Fehler werfen ihn aus der Bahn. Plötzlich heißt es für ihn, Mensch zu bleiben und aus dem Rennen zu fliegen oder sich korrupt und unmenschlich zu verhalten, um weiter an entscheidender Stelle im schmutzigen Spiel mitzumischen. Spannung erwächst also erst einmal aus der Frage, welchen Weg Stephen einschlägt. Noch spannender allerdings sind die vielen Schlaglichter, die der Film auf das alltägliche Polit-Geschäft wirft. Dabei wird klar, dass niemand, tatsächlich niemand, eine saubere Weste hat. Zum Rest des Beitrags »

Die Deportation Tausender französischer Juden – Kinder und Greise, Frauen und Männer – im Jahr 1942 wurde in Frankreich über Jahrzehnte verdrängt. In den letzten Jahren jedoch gab es einige Versuche, das Thema öffentlich zu diskutieren, sich mit der Schuld der Nicht-Juden auseinanderzusetzen. Vor allem Literatur und Kino waren und sind engagiert.

Regisseur Gilles Paquet-Brenner legt mit dieser Romanadaption ein durch Schlichtheit überzeugendes, fesselndes, ja, erschütterndes Werk vor. Erzählt wird die Geschichte der halbwüchsigen Sarah (Mélusine Mayance), die mit ihren Eltern und ihrem Bruder in das Netz der faschistischen Gewalt gerät. Beleuchtet wird das aus der Gegenwart, durch die Bemühungen einer US-amerikanischen Journalistin (Kristin Scott Thomas). Sie sucht nach der Wahrheit – und muss schmerzlich erfahren, dass es keine Wahrheit gibt. Zum Rest des Beitrags »

Als ich aufwuchs, stand der Name Angela Davis als Synonym für den Freiheitsdrang für die Farbigen in den USA. Black Power war das Schlagwort. Dass die Gesellschaftswissenschaftlerin Davis für den Freiheitsdrang aller Menschen in aller Welt stand, wurde in der DDR, da Postkarten-Aktionen „Freiheit für Angela Davis!“ forderten, nicht diskutiert. In dieser Dokumentation ist das nur ein Randaspekt, den die eigene Lebensgeschichte für mich ins Zentrum rückt.

Egal, ob in Ost oder West aufgewachsen: diese Dokumentation packt. Schwedische Fernsehaufnahmen mit und über bedeutende Führer und Führerinnen der Bürgerrechtsbewegung in den USA der 1960er und 1970er Jahre, die Jahrzehnte in Archiven lagen, bilden das Zentrum. Träume, Hoffnungen, Wut, Misserfolge werden deutlich, ohne dass fingerdick darauf verwiesen werden müsste. Weil ungeordnet wirkend, lediglich die Chronologie sorgt für einen „roten Faden“, kann jeder Zuschauer, jede Zuchauerin eigene Rückschlüsse ziehen. Mich haben, wie schon angedeutet, die Einblicke schwedischer Journalisten von einst in den US-Alltag von einst zu Ansichten der eigenen Entwicklung im Osten Deutschlands gebracht. Das passiert nicht oft im Kino.

Peter Claus

Black Power Mixtape 1967-1975, von Göran Olsson (Schweden/ USA 2010/2011)

Bilder:  Mouna (Barnsteiner)

Es gehört zum guten Ton, Tom Cruise nicht zu mögen. Zugegeben: Das fällt einem leicht. Seine öffentlichen Auftritte, etwa bei Pressekonferenzen, haben ihn nicht selten in ein alles andere als angenehmes Licht gerückt. Hinzu kommt seine angebliche oder wirkliche Mitgliedschaft bei Scientology. Nur: In diesen Zusammenhängen ist mir das Herumnörgeln an dem Schauspieler Tom Cruise zu wohlfeil. So wie jeder Schneider oder Metzger privat denken und verkünden kann, was er will, darf das auch ein Künstler, so lange er seine Arbeit nicht als Vehikel zur Propagierung seiner persönlichen Ideale missbraucht. Davon kann bei diesem Film nun wirklich keine Rede sein. Außerdem: Wenn wir jede Schauspielerin und jeden Schauspieler für das, was sie oder er im Privatleben – und, ja, damit nicht selten natürlich auch als politisch Denkende und Handelnde tun und nicht tun – schmähen wollten, dann kämen wir wohl nur noch höchst selten ins Kino. Das war schon immer so. Von Cary Grant geht das Gerücht um, er sei ein Hysteriker gewesen, der Frauen geschlagen habe, Marika Rökk wurde und wird nachgesagt, in den 1930-er und 1940-er Jahren mindestens, um es vorsichtig auszudrücken, höchst unsensibel mit dem politischen Wahn in Deutschland umgegangen zu sein, von Marlene Dietrich hieß es das, von Katja Riemann jenes. Na und?! Im Kino strahlten und strahlen sie. Das zählt, sonst nichts, auch im Falle von Tom Cruise. Der mimt nun also zum vierten Mal Ethan Hunt, die Nummer eins eines geheimen Spezialtrupps Washingtons, einen Ober-Weltgendarm im Untergrund. Mit den bisher drei „Mission: Impossible“-Kinoversionen machte der Star gute Kasse. Das wird ihm auch bei seinem neuesten Auftritt als Agent ohne Angst vor großen Tieren und fern von intellektuellem Anspruch gelingen. Der Unterhaltungsfaktor ist nämlich wirklich beträchtlich.

Effektvolle Szenen gibt es einige: da explodiert die Kremlmauer am Roten Platz, Ethan Hunt klettert auf dem höchsten Wolkenkrater der Welt herum, die Natur zeigt ihre düsterste Seite und die Menschen, entweder Spione oder Saboteure, oft beides in einer Person, sind durchweg fies und mies. „Mission: Impossible – Phantom Protokoll“ will nichts als Popcorn-Amüsement sein, und das genau ist der Film. Die Fans dürfen wohlig kreischen.

Action wird versprochen und wird geboten. Die überschaubare Story dreht sich um einen alles vernichtenden Atomschlag, den Hunt und Co. verhindern müssen. Prag, Dubai und Vancouver sind attraktive Stationen der Kampftour für das Gute. Es ist ein unentwegtes Hauen und Stechen. Luft schnappen darf das Publikum – und das ist ein positives Novum innerhalb des Kino-Quartetts der „Mission: Impossible“-Abenteuer – in einigen witzigen Momenten. Zum Rest des Beitrags »

Tante Minnys Hütte: Gute Unterhaltung durch schwarze Dienstmädchen und weiße Zicken

Der sehenswerte Weihnachts-Wohlfühl-Film zur Rassentrennung besticht durch seine Schauspieler.

Lauter Cocktail-Kleider, lauter Parties, lauter Friseurtermine. Lauter geangelte Ehemänner und lauter angestellte Negerinnen. Das ist das Leben der weißen Damen in Jackson, Mississippi. Ob sie, fragt Skeeters Mutter ihre unverheiratete Tochter, sich Sorgen machen müsse, ob Skeeter womöglich eine unnatürliche Neigung zu Mädchen gefasst habe. Dagegen, so habe sie gelesen, helfe Kräutertee.

Später wird sie sich bei der Tochter für ihre Zivilcourage bedanken. Nicht, weil sie mit Mädchen schlief, sondern weil sie mit ihnen sprach. Mit den schwarzen Hausmädchen, die nicht die Toiletten der weißen Frauen benutzen dürfen, denen sie einst die Windeln wechselten.

Dieser Film von Taylor Tate ist die Verlängerung des Bestsellers„The Help“ von Kathryn Stockett. Eine Geschichte aus dem Süden der USA, als Rassentrennung Gesetz war und John F. Kennedy ein Märtyrer wurde. Stockett schrieb, mit autobiografischem Bezug, die Geschichte einer jungen Frau aus Jackson, die in ihre Heimatstadt zurückkehrt und Interviews führt mit den schwarzen Hausmädchen, die die Toiletten ihrer Herrinnen nicht benutzen dürfen. Das Buch wird ein Skandal, jedoch nur im Film: Das Autobiografische ist nur ein Teil der Geschichte, Stockett wurde 1969 geboren, während ihre Heldin am Anfang der 60er Jahre kämpft.

Allerdings, was wir sehen, das ist kein wirklicher Kampf, nur eine wirklich gute Unterhaltung. Und ein Wohlfühl-Film zur Weihnachtszeit, manchmal lustig, manchmal melodramatisch, nie tief und immer erstklassig gespielt. Und so etwas wie die aufgeklärten Variante von „Onkel Toms Hütte“. Miss Hilly entwickelt eine Initiative für den Bau von „Personal-Toiletten“, so dass Minny vor dem Haus ihre eigene Toilette bekommt. Tante Minnys Hütte.

Und Minny ist wirklich ein guter Mensch. Obwohl sie der Miss Hilly deren eigene, nun ja: unflüssigen Verdauungsprodukte in den Pie gebacken hat und beim Verzehr zusah… Aber die hatte es verdient, die Hexe. So wie die Kloschüsseln, die eines Tages auf ihrer Wiese abgeladen werden. Sie sind überhaupt alle sehr gut, die schwarzen Mädchen. Sie sind es als etwas glatte Charaktere und sie sind es vor allem als Schauspielerinnen. Und Viola Davis als Aibileen dürfte eine ernsthafte Anwärterin auf den Nebenrollen-Oscar sein.

Der Gewinn des Filmes, weshalb sich der Besuch unbedingt lohnt, sind sein Humor, sein Charme und die nostalgisch perfekte Ausstattung. Lauter weiße Zicken, und Jessica Chastain, auch eine Oscar-Kandidatin, ist die Oberzicke. Geschnitten von den übrigen Damen engagiert die herrliche Exzentrikerin heimlich die gefeuerte Minny, ihr Mann darf es nicht wissen. Er weiß es aber, doch statt die Schwarze zu erschießen, nimmt er sie dankbar in den Arm.

Das Problem des Filmes kann man benennen, ohne es ideologisch zu verdammen, man muss es nur wissen:  Es ist seine Reibungslosigkeit, seine pastellfarbene Oberflächlichkeit. „The Help“ ist ein ästhetisch reizvoller Film, der ein existenzielles Problem mit dem Weichzeichner erzählt.

Im Deutschen hieß der  Roman „Gute Geister“. Es ist wohl der Geist der Weihnacht.

Henryk Goldberg in Thüringer Allgemeine 14.12.2011