Auf der Suche nach der zweiten Heimat

In der Ausstellung „12 im 12.“ im Kunstraum Tanas demonstrieren junge Künstler türkischer Abstammung eine distanziert-ironische Distanz zum Dauerreizthema nationale Identität

Wie geht man eigentlich mit Rollenerwartungen um? Es fällt nicht schwer, Ergin Cavusoglus Video-Installation „Backbench“ mit dieser Frage im Hinterkopf zu lesen. Auf fünf Bildschirmen sieht man eine Truppe von Menschen bei dem Versuch, ein von dem türkischen Künstler geschriebenes Skript nachzuspielen. Je länger sie sich jedoch mit den Charakteren zu identifizieren versuchen, desto mehr wachsen ihre Zweifel am Sinn des Geschehens.

Natürlich geht es in der Arbeit um mehr. Aber mit dem Inhalt des 47-minütigen Videos wäre zugleich eine allgemeine künstlerische Haltung beschrieben. Denn wenn die zwölf Künstler, die der Kunstraum Tanas zu seiner 12. Ausstellung versammelt hat, etwas gemeinsam haben, dann die Abneigung, sich auf so etwas wie (nationale) Identität festlegen zu lassen. Selbst wenn alle von ihnen türkischer Abstammung sind. Viel eher zeugt sie von der beeindruckenden ästhetischen Spannbreite zeitgenössischer junger Kunst, die ihre Wurzeln in der Türkei hat.

Vahap Avşar: Chief Commander (14-3), 2011, C-print. Copyright: Vahap Avşar

Zwar werden auch bei ihnen Fragen nach der Herkunft wieder virulent. Der 1965 in Malatya geborene Vahap Avsar beispielsweise ging 1995 nach New York. Seine jüngste Werkserie „Chief Commander“ besteht aus vergrößerten Postkarten, die aus einem Fotogeschäft stammen, in dem Avsar als junger Kunststudent gearbeitet hat. Die Ansichten von Denkmälern des Staatschefs Atatürk in türkischen Städten sagen etwas über die nachwirkende Prägekraft eines nationalen Identitätssymbols aus. Zugleich sind sie ein Dokument der Alltagsgeschichte der sechziger Jahre, als sich die Türkei an westeuropäischen Städten mit ihren Reiterstandbildern orientierte. Zum Rest des Beitrags »

Manischer Knipser

Im Berliner Martin-Gropius-Bau hat eine Fotoausstellung zu der Jugend des chinesischen Künstlers Ai Weiwei begonnen. Die Fotos zeigen die Ursprünge seiner jetzigen Kunst.

Ein verbogener Kleiderbügel, der auf dem Boden liegt, in das leere Drahtgeviert eine Handvoll Sonnenblumenkerne geschüttet: In der Fotografie, die der damals noch unbekannte chinesische Künstler Ai Weiwei 1983 in New York aufnahm, meint man, eine Vorahnung jener Installation zu sehen, die der weltbekannte Künstler 27 Jahre später in die Turbinenhalle der Tate in London platzieren ließ: Millionen von Sonnenblumenkernen aus handgefertigtem Porzellan – ein spektakuläres Sinnbild für das Verhältnis von Individuum und Masse, ein Tribut an die Heimat China.

Wer das Foto von damals genau anschaut, wird bemerken, dass das unscheinbare Drahtgestell die Umrisse des Kopfs von Marcel Duchamp hat – auch ein Künstler, der es in New York zu Weltruhm brachte. Insofern soll man das alte Gelegenheitsfoto wohl auch wie ein Schlüsselbild lesen: In der Neuen Welt fand der Mann, der 1981 eigentlich von Peking ausgezogen war, um ein “neuer Picasso” zu werden, zu seiner wahren Bestimmung: Aus dem Maler wurde ein Konzeptkünstler, der die westliche Formensprache mit östlichen Inhalten füllte.

Ais Hang zum Konzeptuellen belegt schon die Ausstellung selbst. Wer die 227 von ihm selbst ausgewählten Fotos betrachtet, fragt sich unwillkürlich: Welche der insgesamt 10.000 Aufnahmen, die der 1957 Geborene in seiner New Yorker Zeit auf- und 1993 mit zurück nach Peking nahm, hat er eigentlich weggelassen? Zum Rest des Beitrags »

Bei der 12. Istanbul-Biennale scheren Adriano Pedrosa und Jens Hoffmann die Gegenwartskunst über den Gonzales-Torres-Leisten

TAYSIR BATNIJI: Watchtowers, 2008. 26 black and white digital prints. Courtesy Coleção Teixeira de Freitas, Lisbon, Portugal and Galerie Sfeir-Semler, Beirut, Lebanon/Hamburg, Germany

„Untitled – Ohne Titel“ So kann man vielleicht ein Bild nennen. Aber eine Biennale? Wer im Vorfeld der 12. Istanbul-Biennale nach Informationen stocherte, stieß immer nur auf genau diesen geheimnisvollen Titel. Sehr viel mehr gab die Biennale-Website des Unternehmens nicht her. Philosophische Exkurse, die den Titel hätten erhellen können, suchte man vergebens. Nachfragen nach Künstlerlisten wurden abschlägig beschieden. Und genau in dieser Verweigerung dürfte schon ein Erfolg von Adriano Pedrosa und Jens Hoffmann gelegen haben, dem Kuratoren-Team aus Lateinamerika, das diesmal die Geschicke der einzigen türkischen Biennale leiten durfte.

Die Kritik des ausufernden Biennalen-Unwesens, dem Stadtmarketing mit ästhetischen Mitteln, gehört quasi zum Programm der beiden Ausstellungsmacher. Zusammen mit dem italienischen Künstler Maurizio Cattelan lockte Hoffmann mit den üblichen Reklamesprüchen und Werbung auf allen Kanälen 1999 Scharen von Biennalen-Fans auf die Karibikinsel St. Kitts, bei der die Besucher erst merkten, dass es gar keine Biennale war, als sie mit den Füßen im Sand steckten: Institutionenkritik mit den Mitteln der Biennale, sozusagen.

KRIS MARTIN: Obussen II, 2010. 700 found objects. Courtesy Sies+Höke, Düsseldorf, Germany. Photography: Achim Kukulies

Ganz so weit mit der Kritik des Betriebssystems Kunst ging es in Istanbul diesmal nicht. Denn im Istanbuler Hafen gibt es durchaus jede Menge Kunst zu sehen. Nur auf ein schmissiges Thema oder eine spektakuläre Inszenierung mussten die Besucher verzichten, die zur Eröffnung in das Antrepo gekommen waren. Dafür erwartete sie eine Schau, die so mustergültig kuratiert wie eine Museumsschau war und so penibel gehängt wie eine Schmetterlingssammlung. Shop-in-shop könnte man die Hütten aus glänzendem Aluminiumwellblech nennen, die der japanische Architekt Ryue Nishizawa in die zwei Lagerschuppen hinein gebaut hatte. Und einen Reim auf das Gesehene, sollten sie sich, so die unausgesprochene aber offenkundige Idee der Kuratoren, schon selbst machen. Zum Rest des Beitrags »

Das Display der Seele – Denkprozesse im Hygiene-Museum

Wer denkt, wenn wir denken? Die Ausstellung “Images of the Mind” im Deutschen Hygiene-Museum Dresden präsentiert Antworten, auf diese ewige Frage.

Blick in die Ausstellung, (Foto: Deutsches Hygienemuseum/Oliver Killig)

“Ich denke, also bin ich.” Nichts geht philosophischen Sonntagsrednern heute so leicht über die Zunge wie der Satz, den René Descartes 1641 in seinen “Meditationes de prima philosophia” formulierte. Wie dieser Prozess genau vor sich geht, außer dass man dabei die Stirn in Falten zieht oder den Kopf in Denkerpose bringt, war vermutlich auch seinem Urheber nicht recht klar.

Und je mehr die Wissenschaft ihn zu entschlüsseln beginnt, desto vager wird das, was der französische Philosoph damit begründen wollte: die Idee eines souveränen Individuums. Wer oder was denkt da eigentlich?

Selbstbildnis mit erstauntem Blick: Rembrandt Harmensz van Rijn, 1630, Radierung. (Foto: Staatliche Graphische Sammlung, München)

Descartes war Mathematiker. Doch wenn er sich ein Bild davon gemacht hätte, wie das Denken aussehen könnte, das er philosophisch zu definieren suchte, wäre es vielleicht so ausgefallen wie Rembrandt van Rijns “Selbstbildnis mit erstauntem Blick” aus dem Jahr 1630.

Die Verwunderung, die da über das Gesicht des – damals noch jungen – alten Meisters huscht, wirkt wie ferngesteuert, so als ob höhere Wesen es ihm befahlen.

Ein nicht geringer Anteil der bildenden Kunst, das zeigt die spannende Ausstellung “Images of the mind” im Deutschen Hygiene-Museum, in Dreden, bezieht ihren Antrieb aus dem Versuch, das Geheimnis des Denkens dadurch zu bannen, dass sie seinen Verursacher porträtiert – den Geist.

Die Linie lässt sich von Rembrandts Selbstporträts bis zu Edvard Munchs “Angst” von 1896 ziehen, von Bohumil Kubistas “Epileptikerin” von 1911 bis zu Bill Violas “Silent Mountain” aus dem Jahr 2001.

Die Seele auf dem Display

In diesem Farbvideo winden sich ein Mann und eine Frau eine knappe Minute lang in anscheinend kaum erträglichen Schmerzen. Überall in diesen Werken spürt man das Echo der antiken Idee des Dualismus von vergänglichem Körper und unsterblicher Seele, dem Letztere nur als Zwischennutzer innewohnt. Das Display, auf dem sich die Seele zeigte, war das Gesicht. Auch Descartes hing dieser Idee an.

213 Objekte haben die Kuratoren Colleen Schmitz vom Dresdner Hygienemuseum und Ladislav Kesner von der Mährischen Galerie Brünn in vier systematischen Abteilungen zusammengetragen. Sie belegen, wie nahe sich Kunst und Wissenschaft bei den Versuchen immer waren, den unfassbaren Urheber des Denkens zu kartieren.

Epileptikerin: Bohumil Kubišta, 1911, Öl auf Leinwand. (Foto: Mährische Galerie, Brünn)

Die sechzehn Gemütszustände vom gleichmütigen über das traurige bis zum wütenden Gesicht, die der französische Theoretiker Charles Le Brun 1668 zu typisieren suchte, stehen den Schwarzweißfotografien, auf denen die Künstlerin Isabell Heimerdinger 2002 den Schauspieler Martin Glade unterschiedliche Emotionen und Charaktere nachstellen lässt, in nichts nach.

Strömungsfeld der Gedanken, Alfred Anwander, Carsten H. Wolters und Xavier Tricoche , 2006. Computersimulation. (Foto: Max-Planck-Institut für Kognitions- und Neurowissenschaften, Leipzig)

Im Fadenkreuz

Von außen ging der Weg der Erkenntnis nach innen: Spätestens seit der Renaissance geriet das Gehirn ins Fadenkreuz der Geistessucher. Das kann man an ein paar kostbaren Anatomiestudien sehen, auf denen Leonardo da Vinci Schädel, Augen und Nerven zeichnerisch sezierte. Diese Naturalisierung gipfelte schließlich in den modernen Neurowissenschaften.

Spätestens seit den 90er Jahren des vergangenen Jahrhunderts wird das “Ich-Sein”, das auch die westlichen Demokratien mit begründet, wie “Gehirn-Sein” buchstabiert: Das autonome Subjekt ist vor allem ein zerebrales.

Magic Forest: Andrew Carnie, Installation, 2002. Courtesy of the artist and GV Art London

Distanz zur Neuroreligion

Nur die Kunst bewahrt ironische Äquidistanz zur alten Metaphysik wie zur neuen Neuroreligion. Radikaler und ironischer als auf der Röntgenaufnahme, die Meret Oppenheim 1963 von ihrem Kopf anfertigen ließ, kann man sich die Absage an die Idee nicht vorstellen, darin hause ein erhabener Geist.

Auf dem Schwarzweißbild sind als einziges persönlichkeitsbildendes Attribut die großen Metall-Ohrringe der Künstlerin zu sehen.

Wie berechtigt die Skepsis gegen allzu viel Rationalismus ist, lässt sich an den schönen, bunten Computerscans und Elektroenzephalogrammen von heute demonstrieren. Denn auch sie können nur anzeigen, dass sich im Gehirn etwas bewegt. Wer diesen Vorgang wie “lenkt”, bleibt auch bei diesen Vorzeigeobjekten der neuronalen Ästhetik unklar.

Dafür gebären sie ungeahnte ästhetische Effekte. Diese reichen von den Zeichnungen, mit denen der spanische Mediziner Santiago Ramón y Cajal 1903 als Erster die filigrane Feinstruktur des Nervensystems aus Synapsen und Neuronen kartierte, bis hin zu dem “Strömungsfeld der Gedanken”, das drei Wissenschaftler des Leipziger Max-Planck-Instituts für Kognitions- und Neurowissenschaften 2006 aus magnetresonanztomografischen Aufnahmen gewannen.

Self-Portrait Helen Chadwick (1953-1996) 1991, Dia, Glas, Aluminiumrahmen und Licht, 50,9 x 44,6 x 11,8 cm © The Helen Chadwick Estate, Foto: Edward Woodman

Rot-weiß-blaue Wellen

Die wunderbar psychedelischen Wellenformen in Rot-Weiß-Blau sagen über den Inhalt des Denkprozesses oder das Individuum, das sie hervorbrachte, nichts aus. Sie zeigen nur an, wie die Ausbreitung der Gedanken von den Gewebearten abhängt. Eines aber wird klar: Denken ist schön! Von Kunst ist dieses “Neuroimaging” kaum mehr zu unterscheiden.

Darstellung der Seele als präzise zugeschnittene Reihe von Vermögen. Unbekannt, aus Gregor Reisch (1470-1525), Margarita philosophica nova, 1512, Holzschnitt, (Foto: Sächsische Landes-, Staats- und Universitätsbibliothek / Deutsche Fotothek, Dresden/ Regine Richter)

Dabei hat sich das Verständnis der geheimnisvollen grauen Masse unendlich ausdifferenziert – von einer starren Topologie, in deren Mitte der der Mediziner und Esoteriker Robert Fludd 1619 hin den Satz “Hic anima est – Hier ist die Seele” schrieb, zu einem hochsensiblen Netzwerk komplizierter Interaktionen.

So narzisstisch getroffen reagiert der Betrachter dann doch auf die Dresdner Zumutung, sein “Selbst”-Bewusstsein, nur noch als “bewusstlose” Rechenleistung eines 1,5 Kilo schweren, gräulichen Gewebeklumpens zu sehen. Bin ich denn nur ein evolutionsgesteuerter Bioautomat?

Ein freies Gehirn

Das “Self-Portrait”, das die britische Künstlerin Helen Chadwick 1991 schuf, wirkt da wie der Versuch, den Zerebralismus, der die Bewusstseinsphilosophie derzeit erschüttert, zu relativieren: Das freigelegte Gehirn, das auf dem Lichtdia zu sehen ist, wird von zwei menschlichen Händen gehalten.

Ohne seinen Träger, denkt sich das souveräne Individuum unserer Tage beim Blick auf Chadwicks Aufnahme erleichtert, ist auch das allmächtige Gehirn nichts. Cartesisch gesprochen: Nur mit meinem Körper bin ich.

Ingo Arend, taz 14.09.2011

“Images of the Mind”, Deutsches Hygiene Museum, Dresden

bis zum 30. Oktober 2011

Katalog: Hrsg. von Colleen Schmitz und Ladislav Kesner, Wallstein-Verlag, 304 S., mit ca. 200 farbigen Abbildungen, 24,90 Euro

Josef Váchal: Traum über meinen Traum. 1916, Öl auf Papier. (Foto: The Museum of Czech Literature (PNP), Prag)

Endstation Hype

Der Hamburger Bahnhof in Berlin zeigt Arbeiten der für den Preis der Nationalgalerie für Junge Kunst nominierten Künstler.

Andro Wekua : Ohne Titel, 2011, Wachs, Holz, Metall, Stoff und andere Materialien, © Andro Wekua, Courtesy Gladstone Gallery, New York

Das Schönste an vielen Städten ist bekanntlich der Bahnhof. Für Berlin gilt das nicht. Denn die vielen tausend Künstler, die dorthin strömen, wollen ja nicht weg aus der Stadt, sondern nach oben. In den Olymp der Kunst gelangen sie aber eher über den U-Bahnhof Kottbusser Tor, mitten in der Kreuzberger Subkultur, als über den Hamburger Bahnhof. Die Kunst der Zukunft sucht man in dem edlen Kopfbahnhof oft genug vergebens. Auch wenn er sich “Museum der Gegenwart” nennt.

Schon bemerkenswert, dass das Antizipatorische an den vier Positionen junger Kunst, die dort jetzt präsentiert werden, ausgerechnet das Historische ist. Zumindest gilt das für Cyprien Gaillard und Andro Wekua. In seinem Film “Artefacts” filmt der französische Berliner Gaillard einen Trupp amerikanischer Soldaten, der während des Irakkrieges durch die antike Stadt Babylon streift. Und in dem Streifen “Never sleep with a strawberry in your mouth” des georgischen Berliners Wekua gleitet ein androgynes Wesen durch eine fantastisch-reale Erinnerungslandschaft.

Klara Lidén : Self Portrait with Keys to the City, 2005, Digital print, Courtesy: The artist and Reena Spaulings Fine Art, New York

Gaillard, Jahrgang 1980, und Wekua, Jahrgang 1977, sind in diesem Jahr neben zwei Künstlerinnen für den Preis der Nationalgalerie für junge Kunst nominiert, über den es in den zehn Jahren seines Bestehens regelmäßig Streit gab. Die Anziehungskraft seines Londoner Vorbildes, des Turner-Preises, entwickelte er nie, die Auswahl der Künstler ist meist vorhersehbar. Im Gegensatz zu der verunglückten Gruppenausstellung “Based in Berlin” in diesem Sommer ist er aber immer noch die reflektierte Variante des Versuchs, Talente herauszuheben, die die Stadt zur Kunstmetropole Nummer eins gemacht haben: Die Teilnehmer dürfen von überall herkommen, müssen aber in Berlin leben und unter 40 Jahre alt sein.

Exzessiver Konsum

Verglichen mit “Based in Berlin”, der Bastelwerkstatt im Monbijoupark, kann sich diese Kunst qualitätsmäßig sehen lassen. Wirklich aufregende Entdeckungen sucht man aber vergebens. Dass Gaillard die mit seinem iPhone aufgenommenen Bilder ins analoge 35-mm-Format rückübersetzt, ist so neu nicht. Erosionsprozesse in der Kultur hatte er schon im Frühjahr in den Berliner Kunst-Werken an einer Pyramide aus Bierkästen demonstriert, die seine Besucher durch exzessiven Konsum derselben ruinierten. Der als Dauerloop sich langsam selbst zerstörende “Artefacts”-Film hingegen langweilt mit einem Déjà-vu-Effekt.

Dasselbe gilt für die schwedische Berlinerin Klara Liden, Jahrgang 1979. Eine melancholische Metapher auf die Künstlerexistenz mag in ihrem knapp zweiminütigen Video sehen, wer will. Eher hat man das Gefühl, die 1979 Geborene befestige ihren eigenen Mythos, wenn sie in einem Mülleimer verschwindet: Liden, die Geheimnisvolle. Wekua ist auf den Kunstkniff verfallen, die Melancholie angesichts des Niedergangs seiner Heimatstadt Sochumi in einer schillernden Animationstechnik zu neutralisieren. Seine Arbeit, die schon in Wien zu sehen war, hat er mit der Skulptur eines Liegenden, dessen Kopf in einem Haus steckt, aufgepeppt. Aber Surrealismus war schon. Und für den Raum, der das Kunstwerk umgibt, wurde man auch schon raffinierter sensibilisiert als mit den gedehnten Glasskulpturen der deutschen Berlinerin Kitty Krauss.

In Berlin hat es Gegenwartskunst leicht und schwer zugleich. Noch gibt es genug Platz für alle. Doch ihr Weg nach oben führt wahlweise über das Repräsentationsbedürfnis der Macht, durch den Wildwuchs des Marktes oder über Privatsammlungen. Eine Instanz, die dem Willkürlichen, Verkäuflichen und Geschmäcklerischen objektivierend entgegenwirkt, wäre da besonders wichtig. Das Zeug zu dieser Korrekturfunktion hätte der Preis. Nicht nur wegen des gestuften Auswahlverfahrens mit zwei Jurys, sondern auch weil er zur Ästhetik der Gegenwart aufschließt: In diesem Jahr wird er um einen Preis für junge Filmkunst erweitert. Er hat sich auf eine kleine Kampfansage eingelassen: Dass sich unter den vier Positionen keine Malerei befindet, darf als Replik auf die gerade zu Ende gegangene Kunstmesse abc art berlin contemporary gewertet werden, die unter dem Motto “about painting” die ideologisch verdächtige, aber lukrative Malerei neu zu promovieren suchte.

Dieser Mut hätte die Juroren nicht verlassen sollen. Zwar gehört es nicht zur Aufgabe des Preises, krasse Außenseiter zu entdecken wie den, mit dem das Künstlerhaus Bethanien derzeit den Kunstherbst bereichert: Eine Ausstellung zeigt den aufregenden DDR-Grenzgänger zwischen Poesie und Kunst, “Mathias” Baader Holst. Als er 1990 mit 28 Jahren überraschend bei einem Verkehrsunfall starb, war er im besten Preisalter. Doch mit Gaillard, Liden, Krauss und Wekua haben sich die Königsmacher der Kunst auf ein paar gut vernetzte Angesagte verlassen. Womit der Hamburger Bahnhof in diesem Jahr nur die Endstation Hype bleibt.

Ingo Arend, taz 12.09.2011

Kitty Kraus: Ohne Titel, 2009, Courtesy the artist and Galerie Neu, Berlin; Foto: Lepkowski Studios, Berlin

Die Ausstellung zum Preis der Nationalgalerie für junge Kunst 2011 findet im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin statt. Die vier nominierten Künstler präsentieren dort ihre neuen Arbeiten vom 9. September 2011 – 08. Januar 2012. Am Mittwoch, den 28. September 2011 wird der Gewinner gekürt. 

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Unerträgliche Schönheit

Humus: Die ambitionierte Frankfurter Schau „Die Metapher des Wachstums“ greift das Tabu-Thema schlechthin auf

Hunderte, Tausende von Handys. Alle Größen, alle Formen, alle Farben. Ein Meer von leicht gekrümmten Ovalen aus Leichtmetall mit den charakteristischen Druckknöpfen liegt in einem riesigen Haufen. Der kleine Schönheitsfehler dieser Miniatur-Fetische: Sie sind alle längst ausrangiert.

Leider findet sich das Bild des amerikanischen Fotografen Chris Jordan nicht gleich im Eingang des Frankfurter Kunstvereins. Man muss ein Magazin mit dem Titel „Denkanstöße“ im zweiten Stock durchblättern, um auf es zu stoßen. „Cell Phones“ bringt das ganze Drama, um die die Ausstellung „Die Metapher des Wachstums“ kreist, auf den Punkt: Die wahnwitzige Verschwendung von Rohstoffen auf der Welt. Der Abfall, den der technische Fortschritt produziert. Der Rausch des viel, mehr, unendlich viel mehr. Bezeichnenderweise hat Jordan der Serie, der das Bild entstammt, den Titel „Intolerable Beauty“ gegeben.

Sylvie Fleury: „Ladder“, 2007 Foto: Ulrich Ghezzi

Stattdessen trifft man im Foyer auf einen riesigen Haufen Kaffee. 400 Pfund davon hat der Künstler Thomas Rentmeister auf den Boden des Hauses geschüttet. Darüber leuchtet einsam eine rote Glühbirne. Ein Hauch von Coffee-Shop liegt in der Luft. Kaffee als sorgsam austariertes Sinnbild der Globalisierung, des exzessiven Genusses und als wachstumsfördernder Humus. Wir haben verstanden. Die gleiche Durchschlagskraft wie Jordans Bild hat Rentmeisters Installation aber nicht.

Trotzdem: Angesichts der Bedrohung, zu der sich das zivilisatorische Konzept „Wachstum“ ausgewachsen hat, ist es gar nicht genug zu loben, dass die drei Kunstvereine in Frankfurt am Main, Hannover und im schweizerischen Baselland mit Unterstützung der Kulturstiftung des Bundes gemeinsam eine innovative Themenausstellung aus der Taufe gehoben haben, wie man sie sich häufiger wünschte.

In jeder Bundestagsdebatte wird der Fetisch des Wachstums noch immer mit einer Inbrunst beschworen, als habe es vor 40 Jahren nicht den Bericht des Club of Rome über die „Grenzen des Wachstums“ gegeben. Aber wahrscheinlich nützt es nichts, der Politik immer nur den Spiegel der exakten Wissenschaften vorzuhalten. Jetzt muss die Ästhetik ran.

Es gehört zu den Paradoxa des Wachstums-Diskurses, dass sein Leitbegriff ausgerechnet der Biologie entlehnt ist. Der passt aber so gar nicht zu dem Stoffwechsel mit der Natur, den sich die Menschheit zu Zwecken massenhafter Konsumbefriedigung angewöhnt hat. Dort endet Wachstum bekanntlich. Aber Natur-Metaphern haben den Vorteil, dass gegen sie immun gegen Gesellschaftskritik sind: Es muss halt alles immer wachsen.

Dabei gönnt der Mensch der Natur das organische Recht, das die Metapher aufruft, kaum irgendwo. Mit ihm sucht sich auch die große Fantasie von der Nachhaltigkeit zu legitimieren. Die Bilder unmerklich konturierter Nadelholzgewächse, die der Fotograf Ulrich Gebert in öffentlichen Parks in England aufgenommen hat, sind ein fast unheimliches Sinnbild für den tatsächlichen Umgang mit ihr: Kontrolle, Verformung und Selektion.

Die Frankfurter Ausstellung überzeugt, weil Kurator Holger Kube Ventura seinen Parcours nicht alarmistisch eng führt. Zwar verteilt das Künstlerkollektiv Mindpirates ein paar didaktische Denkanstöße. In seiner raumfüllenden Installation „Verschwendung ist die größte Energiequelle“ plakatiert es Zahlen und Fakten zum weltweiten Ressourcenverbrauch an die Wand: Weltweit werden pro Jahr 600 Milliarden Plastiktüten produziert.

Natürlich geht es nicht ohne politische Kunst: In der Videoinstallation „All that is Solid Melts into Air“ des Amerikaners Mark Boulos stehen sich zwei Schauplätze der wachstumshungrigen Globalisierung direkt gegenüber: Rechts tobt der Parkettkrieg an der Chicagoer Börse. Links proben nigerianische Fischer den Aufstand gegen die dort gehandelten Ölmultis. Deren Absturz thematisiert das Duo bankleer in seiner Arbeit „Headfonds“: Hinter dem Schutzwall seiner Computer mit abgestürzten Aktienkursen steigt die Figur eines Mannes steil mit dem Kopf zuerst durch die Glasdecke.

Die Ausstellung lotet aber auch die Ambivalenzen eines in Misskredit geratenen Begriffs aus. Indem sie zwei profane Alltagsgegenstände wie eine Leiter und einen Papierkorb mit 23,5 Karat Gold belegt, markiert die amerikanische Künstlerin Sylvie Fleurie den Wechsel vom Gebrauchswert zum Tauschwert, der Triebkraft hinter dem Prinzip Wachstum. Der Lockung von Luxus und Glamour kann man sich aber genauso wenig entziehen wie dem Bild der pink wuchernden Orchidee auf einer Wandtapete der Mindpirates.

Peter Buggenhout „The blind leading the blind (Herzliya piece) #1“, 2009 Foto/Photo: Yigal Pardo

Der hypertrophe Parasit ist Verschwendung pur. Ohne ihn gäbe es womöglich keine Evolution. Gerade deren unnütze Auswüchse produzieren Schönheit. Als negatives Pendant dazu fungiert Peter Buggenhouts Skulptur „The Blind leading the blind“. In den von dicken Staubschichten überzogenen Skulpturen aus nicht beschreibbaren Resten und Formen wird das Prinzip Werden und Vergehen endgültig zu der abstrakten Metapher, die der Ausstellungstitel verspricht.

So klug und assoziationsreich diese Ausstellung zusammengestellt ist. So sehr vermisst man den Blick der Kuratoren über den prekären Ist-Zustand hinaus. Folgt dem Zeitalter des Wachstums das der Askese, geht es um kreative Verschwendung oder doch eher auf Verzicht? Die zeitgenössische Kunst geriert sich gern als die bessere Wissenschaft. Da muss es doch irgendein Bild geben, das konkret macht, was der Ökonom Hans-Christoph Binswanger im Katalog zum Überleben empfiehlt: Mäßigung, intelligent schrumpfen.

© Ingo Arend

Bild oben: Mark Boulos „All that is solid melts into the air“, 2008, 2-Kanal Video / 2 channel video © and Courtesy the artist

Die Metapher des Wachstums.

Frankfurter Kunstverein. Noch bis zum 31. Juli. 2011.

Katalog, Christoph Merian Verlag

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