E.T. + 2001 = A.I.

Es gibt vermutlich nicht allzu viele Filmemacher auf dieser Welt, die es gewagt hätten, einen Stoff zu verfilmen, den der große, der mehr oder weniger entrückte Stanley Kubrick erwählt und (in einem immerhin schon 80 Seiten umfassenden Drehbuch-Entwurf) vorbereitet hat. Steven Spielberg kann sich zugute halten, mit Kubrick schon zu Lebzeiten über das Projekt gesprochen zu haben. Die Sache ist also nicht so sehr Anmaßung, sondern eine Art gegenseitiges Geschenk, ein Dialog zwischen zwei sehr unterschiedlichen Künstlern, zwei sehr unterschiedlichen Arten, die Welt und die Menschen in ihr zu sehen. Das ist es, was man dem Film ansieht, das ist es, was die Kritiken »A.I.« schnell vorgeworfen haben, und das ist es, was ihn so faszinierend macht: ein Film, der nicht nur aus zwei Sichtweisen zusammengesetzt ist, sondern sich den Bruch zwischen diesen Sichtweisen auch zum Thema und zur ästhetischen Struktur gewählt hat. Zum Rest des Beitrags »

Der kindliche Kaiser

Spielbergs "A.I"- ein berührender Film über die Liebe

„Was ist Liebe?“ fragt der Professor. „Ich weite meine Augen ein bisschen und ich wärme meine Haut.“, entgegnet die junge Frau gleichmütig. Sie ist ein Roboter. Daran muss man arbeiten, bedeutet der Professor. Und auch Steven Spielberg arbeitet an der Beantwortung dieser Frage, schon immer. Und er will wohl sagen, dass Liebe etwas anderes ist als geweitete Augen und gewärmte Haut. Und wie einst E.T., der Außerirdische, ein Märchen über die Liebe war und die Sehnsucht, so ist es nun A.I. (Artificial Intelligence), der Roboter. Sie sind Brüder vom gleichen Geiste und wenn ihnen noch ein menschlicher Bruder hinzuzugesellen wäre, so könnte dies nur P.P. sein, Peter Pan. Lauter kleine Prinzen. Und seit Saint-Exupery hat die poetische Naivität kaum mehr Kraft gezeugt als bei Steven Spielberg. Seine Antwort lautet, es seien Liebe und Sehnen die einzige Kraft, die keinerlei Begrenzung kenne. Denn dieser Film handelt nicht von künstlicher Intelligenz, er handelt von menschlicher Liebe.

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Der Zauberkasten

Amélies Vater mag es nicht, wenn beim Pinkeln jemand neben ihm steht. Amélies Goldfisch heißt Pottwal, er neigt zu Depressionen und ist suizidgefährdet, er springt immer aus dem Aquarium. Amélies Mutter steht vor Notre-Dame, da springt ihr eine Selbstmörderin auf den Kopf. So wird Amélie "Unsere Liebe Frau". Zum Rest des Beitrags »

Als Denn zum Küssen sind sie da vor gut drei Jahren in die Kinos kam, schien der Fall relativ klar. Noch ein Serienkiller-Thriller, wieder jagte den Verbrecher ein bedächtig vertrauenswürdiger Morgan Freeman, der nach Se7en nun als Polizeipsychologe Alex Cross einem Frauenmörder auf den Fersen war. Eigentlich ging da alles recht gewöhnlich zu. Nur Freemans Partnerin Ashley Judd brachte als entkommenes Beinahe-Opfer eine leichte Veränderung ins Serienkiller-Genre. Mit ihr wurde die Opferperspektive umgedreht - die "leichte Beute" des Killers/des Genres verweigerte hier erfolgreich ihre Funktion.

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Die Geldmaschine

Pearl Harbor - wenn Amerika will, schießt ein Besen

Die Generalität hat Bedenken. Da reckt sich der gelähmte John D. Roosevelt, der Präsident der Vereinigten Staaten, in seinem Rollstuhl und steht auf. Wenn Gott und Amerika wollen, dann schießt ein Besen und ein Lahmer geht. So beginnt der Aufstieg Amerikas zur Weltmacht, so beginnt der zweite Weltkrieg.

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Michael Bays Film aus dem Geist von Propaganda, Computerspiel und Seifenoper

Im Jahr 1979 drehte Steven Spielberg einen Film mit dem Titel 1941, eine verrückte und größenwahnsinnige Satire über Größenwahn und Verrücktheit beim Anlaufen der amerikanischen Militärmaschine nach dem Angriff auf Pearl Harbor. Zum Rest des Beitrags »

Ein Film sieht rot

Eine Komödie zu verteidigen ist immer eine seltsame Angelegenheit. Über Humor lässt sich eine Ewigkeit streiten, ohne dass irgendwer seinen subjektiven Argumentationswinkel verlassen müsste. Derartige Diskussionen haben darum nicht selten etwas von einem Besserwisser-Karussell (Ist nicht witzig! - Ist doch witzig!), dessen einzige Bewegung einen immer gleichen Kreis beschreibt. Eigentlich eine passende Form - immerhin gehören Wiederholungen und Running Gags zum klassischen Komödieninventar.

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Aus Heidis Heimat

Die Frau sitzt in der Bar, es ist soweit. Eigentlich war es wohl schon lang so weit, aber nun muss es sein. Es ist eine kräftige Frau und sie handelt die Dinge wie ein Mann. Sie macht die Konversation, sie aktiviert das Was-machen-Sie-Haben-Sie-Kinder-Sie trinken-ja nichts-Programm. Das Programm funktioniert, sie landen im Bett, Zum Rest des Beitrags »

Gier essen Seele auf

Hannibal oder Das Schnaufen der Schweine

Es ist nicht sehr klug, gegen diese Frau zu intrigieren. Denn Dr. Hannibal Lecter liebt Clarice sehr, auf seine Weise. Und er beschützt sie, auf seine Weise. So kommt es, dass der Mann, der Clarice zu des Teufels Großmutter schicken wollte nun in des Teufels Küche kam. Zum Rest des Beitrags »

Edward Nortons Regiedebüt, eine romantische Komödie um einen Priester und einen Rabbi

Eines der ältesten Rituale des Kinos ist das Wieder- und Neuerzählen alter, bewährter Geschichten. Zum Beispiel „Junge trifft Mädchen" oder „Unbescholtener Normalbürger gerät in ein Komplott". Was daran so spannend werden kann, ist gerade die Variation des Bekannten, das längst ein Teil unserer eigenen (Kino-)Geschichte ist. Etwas Vertrautes erhält ein neues Gesicht, eine neue Form, die vielleicht schon aus Verkaufsgründen etwas mit der neuen Gegenwart zu tun hat und uns darum auch etwas von uns selbst erzählt.

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Das Lügen der Bilder

John Forbes Nash sitzt am Schreibtisch und arbeitet, der Ehrgeiz. Andere haben schon veröffentlicht. »Ist mein Zimmergenosse ein Arsch?« spricht da jemand zu ihm und springt lächelnd auf Johns Schreibtisch, hockend wie ein Gnom. Der Bursche da wird Johns bester Freund werden und wenn er sich Jahrzehnte später von ihm verabschiedet, dann wird das eine Trauer sein und ein Triumph.

Die Geschichte, die Ron Howard in »A Beautiful Mind« erzählt, ist die des Mathematikers John Nash, der an hochgradiger Schizophrenie litt, sich mit reiner Willenskraft selbst therapierte und 1994 für seine spieltheoretischen Arbeiten den Nobelpreis für Wirtschaft erhielt. Dieser Film, der zu den großen Gewinnern der Oscar-Saison zählen sollte, ist ein wenig trivial und ein wenig oberflächlich. Vor allem aber ist er sehenswert. Vor allem ist Russel Crowe sehenswert. Genauer zu sein, er ist überragend.

Ron Howard zeigt uns, was Schizophrenie ist, vielmehr, er vermittelt einen Begriff davon. Denn der Befund als solcher ist für einen durchschnittlichen Menschen so aussagekräftig wie eine mathematische Formel. Doch wo die Formeln auch von den Bildern nicht verlebendigt werden können, die Krankheit kann es. Und Howard trägt den Bildern genau das auf, was ihnen so häufig, beinahe rituell vorgeworfen wird: er läßt sie lügen. Denn eben das, das Lügen der sich als Wirklichkeit gerierenden Bilder, ist die Krankheit. Der Mathematiker imaginiert Menschen und Situationen, die nur in ihm existieren. Und diesen Prozeß überträgt der Film auf seinen Zuschauer, lange so sieht, wie der Kranke sieht. Das vermittelt eine Art von sichtbaren Begriff der Krankheit - und eine Art von Trivialität. Denn diese Tagtraumbilder sind zum Teil so gewollt schlicht, dass wir im Nachhinein, wie im Kriminalfilm, alles erklären könnten - was natürlich auch bedeutet, dass der Film selbst, der ja immer im Präsens stattfindet, in diesen Momenten ästhetisch schlicht ist. Und natürlich ist diese Art von Erklärung, einmal erkannt, auch eine Trivialität per se, eine Versimplifizierung, die einen Verlust an geistiger Schärfe bedeutet. Diese Bilder sind für das Kino was das Modell für die Wissenschaft ist: sie lehren ein Problem verstehen, indem sie es simplifizieren. Das ist der Preis.

Und die Schauspielkunst von Russell Crowe ist ihn wert. Wie er in zerstreuter Beiläufigkeit den filigranen Verfall spielt, wie seine Gesichte sein Gesicht zeichnen, wie er mit dem körperlichen Verfall die geistige Aufrichtung bezahlt, das ist schlicht wundervoll. Wenn es um Kunst gegangen wäre, dann wäre ,ist nach nach dem »Gladiator« der zweite Oscar gewesen. Dieses mal der richtige.

Autor: Henryk Goldberg

Vorwärts in die Vergangenheit

Schon der Filmtitel bezeugt Aktualitätsbezug. Ein Thriller zur New Economy kündigt sich an, und das zu einer Zeit, in der dieser Wirtschaftszweig mit Massenentlassungen glänzt. So mag schon die Ausgangssituation von Peter Howitts Startup wie eine Erinnerung an »bessere« Zeiten erscheinen. Blitzgescheite Computercracks wie Milo (Ryan Phillipe) und Teddy (Teddy Chin) können sich da für ihren Aufbruch ins Berufsleben gar nichts Schöneres vorstellen als ein eigenes Startup-Unternehmen für brandneue Kommunikationssoftware.

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Der Tod bei der Arbeit

Sean Penn verfilmt Dürrenmatts "Versprechen"

Dass das Kino eine Kunst sei, die dem Tod bei der Arbeit zusieht, ist einerseits vollkommen wahr und andererseits eine Phrase, die alles und nichts besagen kann. Wahrscheinlich nicht anders verhält es sich mit dem kleinen Bruder dieses Satzes, der behauptet, das Kino sei eine Kunst, die den Menschen und den Dingen beim Älterwerden zusieht. Sean Penns dritte Regiearbeit aber nimmt diese Möglichkeit, diese Verurteilung des Kinos sehr ernst. Zum Rest des Beitrags »

Biografische Filme über Künstler wie Rembrandt, van Gogh oder Toulouse-Lautrec finden sich in allen Epochen der Filmgeschichte. Rembrandts Leben ist z.B. 1937 von Alexander Korda mit Charles Laughton verfilmt worden, 1942 im "Dritten Reich" von Hans Steinhoff mit Ewald Balser, schließlich 1977 von Jos Stelling. Nun wagt Charles Matton einen neuen Versuch: Klaus Maria Brandauer spielt den Künstler. Zum Rest des Beitrags »

Hölle auf Erden

Alle Filme von David Fincher könnte man auch als listige, zynische und nihilistische Trash Movies erzählen. Der Unterschied ist, dass Fincher sie mit einem heiligen Ernst, mit tiefempfundenem Zorn, mit hohem ästhetischen Reflexionsgrad behandelt. Hier gibt es kein ironisches Augenzwinkern (»ist ja nur ein Film«) und keine postmoderne Ironie (»wird die Sache zu anstrengend, wechsle die Erzählebene«). Zum Rest des Beitrags »

Einige der interessantesten Filme handeln von Filmen, die nicht zu Stande kommen, und einer der schönsten Filme dieser Art ist Sullivan's Travels, den Preston Sturges 1941 drehte. Er erzählt von dem Filmregisseur John L. Sullivan (Joel McCrea), der es satt hat, den Leuten verlogene Filme über Glück und Harmonie zu liefern und lieber vom richtigen Leben erzählen will, von der Unterdrückung des Menschen durch den Menschen. "Significance", Bedeutung soll das haben, was er macht. Dazu hat er schon einen Titel: "O Brother, Where Art Thou?", jetzt braucht er nur noch die Erfahrung dazu. Zum Rest des Beitrags »

Mit Romeo und Julia (1996) hat der australische Regisseur Baz Luhrmann Shakespeare bei Teenagern populär gemacht, sein vorausgegangener Tanzfilm Strictly Ballroom (1991) war noch eher eine Talentprobe für Kenner. In seinem neuen, erst dritten Film in zehn Jahren, mit dem in diesem Jahr das Festival von Cannes eröffnet wurde, zieht er nun alle Register. Zum Rest des Beitrags »

Grenzüberschreitung

Einen Satz wie diesen kann man ziemlich genau in Film übersetzen:

»Die Klavierlehrerin Erika Kohut stürzt wie ein Wirbelsturm in die Wohnung, die sie mit ihrer Mutter teilt.« Und auch der hier macht keine Schwierigkeiten: »Sie geht und beschleunigt langsam ihren Schritt.«

Es handelt sich um den ersten und den letzten Satz von Elfriede Jelineks Roman »Die Klavierspielerin«. Dazwischen liegen 280 Seiten, eine Geschichte und sehr viel Sprache. Zum Rest des Beitrags »