Der Titel ist klug: „Hell“ steht sowohl für die Hölle als auch für kräftiges Licht. Das passt zum glühenden Inferno, in dem die Geschichte spielt. Sie führt in die nahe Zukunft, ins Jahr 2016: Die Sonne strahlt mörderisch. Es ist heiß, zu heiß. Die Durchschnittstemperatur ist um einiges zu hoch. Auf der Erde sieht es wüst aus. Trockenheit beherrscht überall das Bild. Die Landwirtschaft ist zusammengebrochen, Nahrungsmittel knapp. Damit ist auch die bürgerliche Gesellschaft dahin. Hunger und Durst treiben die noch Lebenden um. Gier ist an der Tagesordnung. Drei junge Leute und ein Kind ziehen Richtung Gebirge. Angeblich gibt es dort noch Wasser. Vielleicht stimmt es. Sicher ist: im vermeintlichen Paradies lauern viele Gefahren. Und die gehen vor allem von verzweifelten Menschen aus.

Den Inhalt des Films sollte man vorab nicht im Detail kennen. Die Spannung erwächst aus dem Unvorhersehbaren. Drehbuch und Regie bauen dabei erfreulicherweise nicht en masse, sondern wohl dosiert auf plötzliche Schocksequenzen. Der Horror erwächst meist aus scheinbar ganz Banalem. Phillip (Lars Eidinger), Marie (Hannah Herzsprung), Tom (Stipe Erceg) und die kleine Leonie (Lisa Vicari) versuchen dabei mühsam, sich ihre Menschlichkeit zu bewahren. Von Moment zu Moment wird die Frage gewichtiger, ob sie das durchhalten können. Und der Zuschauer darf sich fragen, wie er’s halten würde.

Wir leben in unsicheren Zeiten. Kein Wunder, dass Endzeitdramen Konjunktur haben. Im Vorjahr hat Lars Kraume mit „Die kommenden Tage“ eine düstere Vision entwickelt. Die Kritik reagierte eher verhalten, das Publikum ebenso. Tim Fehlbaums „Hell“ nun konnte diesen Sommer auf den Festivals in München und Locarno bei Rezensenten und Zuschauern punkten. Die Chance, auf einen Kassenerfolg ist also durchaus gegeben. Zu recht. Der Film hätte es verdient. Tim Fehlbaum, beraten von Roland Emmerich („The Day After Tomorrow“), der auch mitproduziert hat, lässt, anders als Lars Kraume, das gesellschaftskritische Moment im Hintergrund. Genre-Kino ist angesagt. Abgesehen von ein, zwei etwas vordergründigen Dialogen ist das gut gearbeitet. Zuschauer, die über die Spannung hinaus nachdenken möchten, bekommen reichlich Anstöße dazu. Doch erst einmal nimmt die geschickt eingefangene Atmosphäre der Angst gefangen. Die flirrenden, vom die Luft durchtränkenden Sandstaub geprägten Bilder von Kameramann Markus Förderer wirken durchgängig bedrohlich. Dies und die klare Inszenierung der geradlinig erzählten Story sorgen nach etwas holprigem Einstieg durchgängig für eine gänsehautträchtige Spannung.

Schauspielerisch fällt zunächst Hannah Herzsprung („Vier Minuten“) auf. Erst verschreckt, dann kämpferisch lädt die von ihr verkörperte Figur sofort zur Identifikation ein. Man bibbert mit ihr mit. Anhänger klug gebauter Horror-Filme der softeren Art (wobei es mitunter durchaus zur Sache geht!) kommen so ganz leicht in den Film. Neben Hannah Herzsprung hat Stipe Erceg die vieschichtigste Rolle. Lange ist unklar, ob der von ihm verkörperte Tom nun ein Guter oder ein Böser ist. Erceg spielt die Doppelbödigkeit genüsslich. Das sorgt für effektvollen Schauder. Der schauspielerische Clou: Angela Winkler. Die vor allem im Theater agierende Schauspielerin ist im Kino – „Die verlorene Ehre der Katharina Blum“ (1975), „Die linkshändige Frau“ (1978) oder „Die Blechtrommel“ (1979) – aufs Sanftmütige abonniert. Es ist ziemlich clever, wie der Film in diesem Fall mit den entsprechenden Erwartungen des Publikums jongliert. Ein schöner Spaß.

Wie gerade erst bei den meisten Spielfilmen, die während des Festivals Venedig gezeigt wurden, erweisen sich auch hier die Frauen als stark und mutig. Die Männer sind mal wieder Schlaffis. Klar also: Hier wird durchaus gegenwärtiges Lebensgefühl der so genannten westlichen Welt gespiegelt.

Peter Claus

Hell, Tim Fehlbaum (Deutschland 2011)

Bilder: Paramount

Vor drei Jahren gab der damals 59-jährige Gianni Di Gregorio mit der skurrilen Komödie „Festmahl im August“ sein Regiedebüt. Die launige Geschichte um einen vom Regisseur selbst gespielten Muttersohn höheren Alters, der von einem Schwarm Rentnerinnen in Schach gehalten wird, hatte einen Sensationserfolg. Es hagelte Preis, das Publikum liebte den Film. Jetzt legt Gianni Di Gregorio nach. Vor der Kamera immer leicht gebückt, ziemlich unausgeschlafen wirkend und schüchtern, ist die Figur des Gianni wieder da. Wieder mit der Mama. Doch da hören die Ähnlichkeiten zum Erstling auch schon auf. Ein Neuaufguss des Erfolgsrezepts wird erfreulicherweise nicht geboten, auch keine direkte Fortsetzung.

Diesmal spielt der Drehbuchautor, Regisseur und Hauptdarsteller einen Ehemann und Vater. Dieser Gianni lebt in einer kleinen Wohnung in Rom und wird von Frau und Tochter in Schach gehalten. Die Gattin hetzt geschäftig durch die Stadt, die Frau Mama lebt exzentrisch in ihrer Villa und hat laufend Wünsche, der Nachwuchs plagt mit Studien- und Beziehungsproblemen. Nur die Spaziergänge mit dem Hund schenken Gianni Momente der Besinnung. Glücklich wirkt er nicht. Alfonso, der langjährige Freund, hat einen Rat: der gestresste Pensionär soll sich eine Geliebte anlachen. Doch das ist leichter gesagt als getan.

Ein Kauz in Nöten. Das könnte krachend und kalauernd sein. Ist es aber nicht. Gianni Di Gregorio ist ein Meister der leisen Töne. Lautes Lachen provoziert er kaum, sondern viel genüssliches Schmunzeln. Das Tempo der Erzählung entspricht dem Alter des Protagonisten. Hektik bleibt aus. Die Kamera verweilt gern auf den Gesichtern, in denen sich – ob die Figuren nun noch sehr jung oder schon älteren Jahrgangs sind – vor allem eins spiegelt: Die Angst, das Leben zu verpassen.

Hochphilosophisch geht es in diesem Film nicht zu. Das leichte Vergnügen an der charmant-verflixten Geschichte wird auch nicht durch überstrapazierte stilistische Eskapaden getrübt. Die Kamera ist sozusagen immer auf Augenhöhe mit der Hauptfigur und lässt die Zuschauer so ohne jede Anstrengung am Abenteuer Leben teilhaben. Die Schauspieler, einige davon Laien, durften, wie schon bei „Festmahl im August“, reichlich improvisieren. Das gibt der Geschichte von der anstrengenden Sinnsuche eine schöne Leichtigkeit. Die von den luftig-launigen Sommerbildern Roms wesentlich mitgeprägt wird – und den vielen, vielen aparten Römerinnen, denen der Film mit zärtlichen Momentaufnahmen huldigt. Das geschieht mit großer Eleganz, artet nie zu lüsterner Fleischbau aus. Im Gegenteil: Gianni Di Gregorio lässt keinen Zweifel daran, dass es die Frauen sind, denen das Attribut „das starke Geschlecht“ gebührt.

Am Ende des Films ist klar: das vielbeschworene dolce vita gibt es nicht. Aber: Mit etwas Phantasie und Lust am Träumen und mit dem Mut, zu sich selbst zu stehen, kann man sich das Leben durchaus versüßen.

Peter Claus

Gianni und die Frauen, Gianni Di Gregorio (Italien 2010)

Bilder: Neue Visionen

Pearl Harbor. Einer der Orte, die entscheidend den Verlauf des Zweiten Weltkriegs beeinflusst haben. Im Kino wurde das schon mehrfach reflektiert, selten in empfehlenswerten Produktionen. Mikaël Hafströms Thriller überrascht nun mit einiger Originalität. Der Angriff Japans auf die USA wird bei ihm mit pyrotechnischem Schnickschnack illustriert. Der Schwede erzählt eine spannende Story aus der Welt der Geheimdienste, angesiedelt in der Stadt, die dem Film den Titel gab. Hafström guckt also gleichsam ein wenig um die Ecke auf das historische Geschehen. Das ist nicht ohne Reiz.

Im Zentrum steht der US-amerikanische Spion Paul (John Cusack). Er kommt nach Shanghai, um den Tod eines Freundes aufzuklären. Bald wird ihm klar, dass er es vor allem mit Verbrechern aus der Politik zu tun hat. Paul hat viele Widersacher. Doch es finden sich auch scheinbare Verbündete. Bald weiß er nicht mehr, wem er trauen kann und wem nicht. Eine Schlüsselrolle kommt dabei der Chinesin Anna (Gong Li) zu.

Höhepunkt des Films ist eine schnitttechnisch perfekt choreographierte Attentatsszene in einem Nachtklub. Da hält man den Atem an. Überhaupt: optisch wird viel Feines geboten. Das Shanghai der 1940er Jahre wirkt atmosphärisch vollkommen überzeugend. Das ist auch die politisch durchaus ambitionierte Spiegelung der US-amerikanischen Politik jener Zeit. Hut ab! Wenn es da gen Ende heißt „Das Herz ist nie neutral!“ schaudert’s einen. Schade jedoch: Ausgerechnet John Cusack überzeugt nicht. Was er auch gar nicht konnte. Das Drehbuch hat der Rolle so viele Klischees angehängt, das wohl kein Schauspiel, egal, wie hochbegabt, daraus mehr als ein Hollywood-Abziehbild machen könnte. Die Akteure um ihn herum, zu denen auch Franka Potente gehört, hatten mehr Glück.

Ein Meisterwerk ist also nicht zu besichtigen. Aber es handelt sich auch nicht um solchen pathetischen Schrott, wie ihn vor ein paar Jahren „Pearl Harbour“ bot. Die Seriosität des politisch grundierten Historien-Rückblicks nimmt für den Film ein.

Peter Claus

Shanghai, Mikaël Hafström (USA 2010)

Bilder: Senator

Mit der entzückend-kapriziösen Komödie „L‘Auberge Espagnole“ hat Cédric vor wenigen Jahren Publikum und Kritik im Sturm erobert. Auch dem Nachfolge-Film war ein großer Erfolg beschert. Und auch diesmal darf herzhaft gelacht und auch ab und an eine wohlige Träne der Rührung verdrückt werden. Intelligente Unterhaltung also wird geboten.

Die Story besticht mit fast kindlicher Unschuld: Fabrikarbeiterin France (Karin Viard), allein erziehende Mutter von gleich drei Töchtern, wird arbeitslos. Sie ist verzweifelt, versucht gar, sich das Leben zu nehmen. Zum Glück geht das schief. Zum Überlebenskampf gezwungen, geht sie nach Paris. Sie hofft, in der Metropole einen Job zu finden. Das klappt tatsächlich. Sie darf das schnieke Apartment des Börsenspekulanten Steve (Gilles Lellouche) auf Hochglanz putzen. Eines Tages muss sie auch noch als Kindermädchen einspringen. Steves Sohn aus einer früheren Ehe taucht nämlich unerwartet auf. Alles kein Problem für France. Doch dann erfährt sie, dass Steve einer der wesentlichen Strippenzieher war als die Fabrik geschlossen wurde. Eine unbändige Wut steigt in ihr hoch. Und die, klar, sucht sich ein Ventil…

Wer an dieser Stelle glaubt, schon zu wissen, wie’s weitergeht, irrt gewaltig. Klapisch bedient keine Erwartungsmuster. Er spielt mit ihnen, etwa wenn er France zunächst als Symbolfigur des französischen Proletariats etabliert, grundgut bis in die Knochen, und Steve als seelenlosen Profiteur, dem es um nichts als Moneten geht. Wie diese Klischees von ihm schließlich jongliert, gebrochen und in Frage gestellt werden, ist schlicht meisterhaft. 08/15-Happy End ausgeschlossen!

Es ist die kluge und überraschende Balance von Sozialkritik und Komik, die den Film überaus besonders macht. Die beiden Hauptdarsteller sind selbstredend erste Klasse. Dadurch und durch die Eleganz der Inszenierung wird dieser Film zu einem der bisher wirkungsvollsten zum Thema weltweite Finanzkrise.

Peter Claus

Mein Stück vom Kuchen, Cédric Klapisch (Frankreich 2011)

Bilder: StudioCanal Deutschland

Au, Backe – der Titel klingt nach Pantoffelkino-Seelensauce. Doch das täuscht. Geboten wird ganz anderes.

Die Story hat nichts mit üblichem Liebesgeplänkel zu tun: Martha (Sandra Hüller) packt die Koffer, um mit Paul (Felix Knopp) nach Marseille zu gehen. Er, der hochdotierte Mediziner, hat dort einen tollen Job bekommen, ist schon vorgefahren. Da taucht die Polizei auf und erklärt der jungen Lehrerin, dass ihr Mann tot sei. Suizid. Martha ist fassungslos. Sie kann das Unvorstellbare nicht glauben, ahnt keine Gründe für die Tat. Dann grübelt sie, fragt nach, sucht. Sie findet heraus, dass Paul ein Lügner war. Die angeblich so gelobte Doktorarbeit hat er nie geschrieben. Alles, wirklich alles, war Erfindung. Was nun? Martha fühlt sich verloren. Um wieder zu sich zu kommen, beginnt sie eine Affäre. Doch damit verhält sie sich so, wie Paul sich immer verhalten hat: Sie macht sich und dem Gegenüber etwas vor. Was der Mann ziemlich schnell durchschaut. Krise! Daraufhin droht Martha ein fast völliger Realitätsverlust. Die große Frage ist, ob sie aus dem Lügengespinst je wieder herausfindet.

Drehbuchautor und Regisseur Jan Schomburg beobachtet Menschen, die aus der Rolle fallen. Martha und die anderen funktionieren nicht wie Maschinen. Sie verlassen alle Routine, suchen nach sich selbst. Sie müssen das tun, sonst werden sie verrückt. Die Welt um sie herum erscheint ihnen wie ein großes Rätsel, unbestimmt bedrohlich, fern. Kurz: Sie spüren die überall um sich greifende Entfremdung und haben diffuse Ängste. Warum das so ist, wird erfreulicherweise nicht erklärt. Klar ist nur: Bei allen modernen Möglichkeiten der Kommunikation haben Martha und die anderen den Sinn fürs Wahre verloren. Wirkliche Gespräche, Dialoge, sind ihnen unmöglich. Das ist schon allein deshalb so, weil sie nicht einmal mehr Zuhören können. Die Generation der ständig Verdrahteten hat keinen Draht zur Außenwelt mehr. Kein Anschluss unter dieser Nummer, das ist im Grunde alles, was sie noch von sich geben, versteckt hinter einem Schwall sinnlosen Geredes.

Vordergründige Bilder und Dialoge gibt es hier nicht. Der Film, uraufgeführt im Februar bei der Berlinale und dort vielfach gefeiert, setzt auf leises Beobachten und verhaltene Zwischentöne. Schomburg hat den Mut zum Innehalten. Dabei blickt er geduldig auf die Gesichter der Handelnden. Darin spiegelt sich wenig außer dem Ungeist einer Gesellschaft, die nicht mehr auf Gemeinschaft setzt, sondern den Überlebenskampf jeder und jedem selbst ganz allein überlässt. Der Film reflektiert das geradezu brutal scharfkantig. Erst komm ich, danach nichts und niemand mehr. Auch wenn der Schluss, vielleicht als Zeichen der Hoffnung auf Besserung, etwas versöhnlich anmutet, geht der Schreck angesichts des Dramas tief.

Hauptdarstellerin Sandra Hüller gibt Martha in den unterschiedlichsten emotionalen Stadien feinnervig Gestalt. Ihre Präsenz nimmt einen völlig gefangen. Egal, ob sie die Figur nun scheinbar „cool“ oder hysterisch zeigt. Jeder Moment wirkt wahrhaftig. Martha mutet schließlich wie eine Symbolgestalt unserer Zeit an. Denn so, wie in der Politik, hält sie es im Privaten: Verdrängung ist alles. – Man bekommt eine Gänsehaut.

Für Fans des knalligen Popcorn-Kinos ist das natürlich nichts. Wer’s jedoch intelligent mag, auch mal grüblerisch, wird bestens bedient. Den etwas unglücklich gewählten Titel sollte man einfach ignorieren.

Peter Claus

Über uns das All, Jan Schomburg (Deutschland 2011)

Bilder: RealFiction

Das Musical „Burlesque“ hat uns vor nicht allzu langer Zeit die Kunst der gleichnamigen Shows nahe gebracht. Dank Cher und Stanley Tucci in zwei der Hauptrollen war das durchaus vergnüglich, wenn auch kein ganz großer Wurf. Und nun ein Nachschlag aus Frankreich? – Ja und Nein.

Mathieu Amalric, auch hier Schauspieler und Regisseur, belässt es nicht beim Blick auf die exotische Welt hinter den Kulissen. Er guckt in die Seele der Show und damit in die Seelen der Protagonisten. Er verkörpert den abgefuckten TV-Produzenten Joachim Zand. In den USA will er neu anfangen. Frau und Kinder stören dabei nur, also hat er sie verlassen. Mit einer Burlesque-Show hat er einigen Erfolg. Und schon träumt er vom Triumph daheim. Mit den Stripperinnen und seinem Star Mimi Le Meaux (Miranda Colclasure) will er erst die Provinz erobern, dann Paris. Doch ein Gauner im Geschäft vermasselt die Tour. JZ muss also kämpfen. Bald geht es für ihn dabei wirklich um Leben und Tod.

Showglanz und Tristesse des Tingelns durchs Niemandsland – all das wird detailreich gezeigt. Alles ist Schein. Das Dasein hat nichts wirklich Glanzvolles. Und doch brennen alle Beteiligten dafür. Interessant: Die große Authentizität des Films resultiert sicher auch daraus, dass viele der mitwirkenden Ladies tatsächliche Burlesque-Künstlerinnen sind. Die wissen, was sie vorführen – in den Shows und in diesem Film. Kein Wunder also, dass manche Szenen recht dokumentarisch anmuten.

Mathieu Amalric glänzt in der Rolle des JZ. Jedes Klischee vermeidend, zeigt er einen Mann, der Idiot und Superhirn in einem ist, auch Aas und liebenswerter Loser. Manchmal möchte man ihm im gleichen Moment eine Ohrfeige verpassen und ihn tröstend in den Arm nehmen. „Tournée“ fasziniert als Show und als Drama mit herrlich komödiantischem Einschlag – im besten Sinn verrückt.

Peter Claus

Tournée, Mathieu Amalric (Frankreich 2011)

Bilder: Farbfilm

Harry und Sally haben es schon einmal bewiesen: Eine Frau und ein Mann können nicht einfach „nur“ Freunde sein, wenn beide heterosexuell und obendrauf noch einsam sind. Nun wird’s noch mal bewiesen, allerdings mit weniger Originalität, Klasse, Charme und Erotik. Ein Aufguss. Wie fast immer: Die Kopie kann mit dem Original nicht mithalten.

Dabei sind die Hauptdarsteller, Mila Kunis und Justin Timberlake, gar nicht mal schlecht. Das Drehbuch aber ist nicht wirklich erste Sahne. Die Story holpert, zu vieles wird viel zu eindeutig ins Bild gesetzt, der Fortgang des Geschehens ist arg voraussehbar. Für einen Abend unverbindlicher Unterhaltung so nebenbei reicht das durchaus. Für ein unvergessliches Vergnügen, wie einst die Mär von Harry und Sally, jedoch nicht.

Peter Claus

Freunde mit gewissen Vorzügen, Will Gluck (USA 2011)

Bilder: Sony

Die meist skurrilen Spielfilme des Finnen Aki Kaurismäki sind nicht nach jedermanns Geschmack, Auch wenn die Mehrzahl der Kritikerinnen und Kritiker unentwegt jubelt, auch ich habe den einen oder anderen seiner Filme eher als manieriert empfunden. Mitunter badete er mir einfach zu lang und zu ausführlich in düsteren Milieustudien. Manchmal aber war ich auch einfach nur entzückt. Und ich bin es auch in diesem Fall.

Schon aus Cannes, wo „Le Havre“ im Mai uraufgeführt worden war, kam viel Begeisterung. Nicht anders aus Locarno, wo der Film Anfang August vor etwa achttausend, wenn nicht gar neun, auf der Piazza Grande abends unterm Sternenhimmel für gute Stimmung sorgte. Womit das vielleicht entscheidende Stichwort bereits gegeben ist: Stimmung. Kaurismäki sorgt nicht allein für gute, er zaubert auch eine solche auf die Leinwand. Da werden dann selbst bitterernste Themen – wie Krebserkrankung, Armut, Korruption – auf einmal ganz leicht. Das ist märchenhaft schön. Und ein Märchen wird auch erzählt: Schuhputzer Marcel Marx, einst ein viel versprechender aber nie im Ruhm angekommener Schriftsteller, dann Clochard, nun also mobiler Kleinstunternehmer, lebt mit seiner Frau Arletty im erbärmlich tristen Fischer-Viertel von Le Havre. In der Kneipe hat er Kredit. Selbst der Tante-Emma-Laden-Betreiber lässt sich zu Stundung der Schulden überreden, und die Bäckersfrau, die hat sowieso ein Herz für Leute wie Marcel. Weil er ein Herz hat, ein großes. Das schlägt aufgeregt, als eine Gruppe von illegalen Einwanderern auffliegt und einer dieser bedauernswerten Opfer von Politik und Menschenhandel, ein halbwüchsiger Junge, direkt in Marcels Armen landet. Klar, dass der Schuhputzer helfen muss. Wie er das dann versucht, sich dabei gegen dusslige Denunzianten und kleingeistige Polizisten durchsetzt, und das, obwohl Arletty auf Leben und Tod erkrankt, das ist eine schillernde Ballade von der Größe schlichter Menschlichkeit.

Sehr geradlinig entwickelt, besticht die Erzählung durch Einfachheit. Die Dialoge sind knapp, dabei pointiert. Sämtliche Schauspieler, selbst in kleinsten Rollen, agieren voller Hingabe und gestalten farbenreiche Miniaturen und, wo möglich, handfeste Charakter-Studien. Und dann die visuelle Gestaltung! Jedes Bild wirkt wie gemalt. Durch eine große Tiefenschärfe haben alle Szenen eine reizvolle Vielschichtigkeit. Man wähnt sich schon bald nach Filmbeginn in einem Traum. Und das, obwohl Kaurismäki auf manipulierenden Musikeinsatz verzichtet. Hier dröhnen keine Akkorde, schluchzen nie die Saiteninstrumente, wird Gefühl nicht durch Klangteppiche vorgetäuscht. Herrlich! Das alles ist so organisch und wirkt derart selbstverständlich, dass man all die Wunder, die da schließlich geschehen, einfach nur begeistert feiert. Ein Film, der einem tatsächlich Momente des Glücklichseins schenkt. Da will man denn stur daran glauben, dass Kaurismäki Recht hat, wenn er Nächstenliebe predigt, ohne dabei auf irgendwelche religiösen Bekenntnisse aus zu sein.

Kati Outinen als lebenskluge Arletty und André Wilms in der Rolle des lebensgierigen Marcel führen das erstklassige Schauspieler-Ensemble mit Kaurismäkischem Minimalismus an. Vielleicht hat der eine oder andere Moment ein wenig von einer Theateraufführung. Doch das passt. Spielen wir denn nicht alle hier und da auch einmal Theater, um dem alltäglichen Grau zu entkommen? Manchmal darf man sich doch auch ein wenig durchs Leben schummeln. Solange man damit niemand anderem weh tut, ist das völlig in Ordnung. Kaurismäkis neuer Film ist die schönste Anleitung dazu, die ich kenne.

Peter Claus

Le Havre, Aki Kaurismäki (Finnland / Frankreich / Deutschland 2011)

Bilder: Pandora Filmverleih