100 Jahre ist es her, dass die „Titanic“ sank, fünfzehn, dass sich der -xte Film zur Katastrophe weltweit als Kassenrenner erwies. Den gibt’s nun (seit 5. April hierzulande) noch einmal, diesmal in 3D. Und da finden sich doch wirklich Rezensenten, die von einem „Klassiker“ schwafeln. Uff?! Keine Ahnung, wie viele Jahre ein Film auf dem Buckel haben sollte, um als Klassiker eingestuft werden zu können, fünfzehn erscheinen mir in jedem Fall zu wenig. Zudem steckt ja auch das Wort „Klasse“ in Klassiker – und „Klasse“, also herausragend, fand und finde ich an diesem Film nichts als die so gigantische wie grandiose Werbestrategie. Der Film selbst: ziemlich kalter Kaffee. Die Musik wabert, die Schauspieler überziehen, es schnulzt und schmalzt ohne Ende. Und, sorry, da bin ich vielleicht etwas engstirnig: Ich kann mich einfach nicht vom grauenvollen Tod unzähliger Menschen, den sich nicht nur Drehbuchautoren haben einfallen lassen, unterhalten lassen.

Regisseur James Cameron und sein Autorenteam bieten nichts, was über den Seufz-und-Schluchz-Faktor im Banne von Rose und Jack (Kate Winslet und Leonardo DiCaprio) hinausgeht. Frühere Filme zum Thema boten entschieden mehr, etwa der deutsche aus dem Jahr 1943 mit Sybille Schmitz in einer der Hauptrollen. Das ist ein Film, den ich wenigstens als Kandidaten für eine Aufnahme in die Reihe der Klassiker betrachte. Allerdings stimmt es da mit den historischen Fakten so gut wie gar nicht. Aber es geht um Fragen menschlichen Versagens im Banne von Profitgier. In diesem Fall, 3D oder nicht, geht es allein um die gänsehautträchtige Illustration eines zugegebenermaßen grandiosen Schmachtfetzens, den von Céline Dion voller Inbrunst gesungenen Pop-Song „My Heart Will Go On“. Wer den „Titanic“-Schauder will, kriegt ihn sofort, wenn er zuhause diesen Song voll aufgedreht aus der Stereoanlage dröhnen lässt. Kinobesuch echt überflüssig.

Peter Claus

Titanic 3D, von James Cameron (USA 1997)

Bilder: Fox

Die schönsten Liebesgeschichten im Kino (in der Literatur, in der Musik… ) sind bekanntlich Liebeskummergeschichten. Genau eine solche erleben wir nun mit Juliette und Roméo. Allerdings hat der Kummer bei ihnen seine Ursache nicht in Kindisch-Kitschigem, wie es gerade das Kino oft zelebriert, sondern in wirklich Schrecklichem: Söhnchen Adam verhält sich seltsam, ist offenbar schwer krank. Die auf allem lastende Frage: Kann das Dasein im Schatten drohenden Todes noch schöne Momente haben?

In einem verblüffenden Mix von Drama und Komödie, Dokumentar- und Videoclip-Stil erzählt das Autoren- und Regieduo Jérémie Elkaim und Valérie Donzelli, die Beide auch in den Hauptrollen agieren, die autobiographisch gefärbte Geschichte. Sie beginnt in einem wahren Rausch des Glücklichseins. Die Zwei, deren Namen nicht zufällig an Shakespeares unsterbliches Paar Romeo und Julia erinnern, schweben auf den Wolken der Verliebtheit. Traumhaft schöne Bilder illustrieren das. Der Sohn komplettiert das Glück. Doch das Kind kränkelt oft. Schließlich stellt sich heraus, dass der Kleine einen Tumor im Kopf hat. Eine Operation ist unumgänglich. Ob die aber wirkliche Heilung bringt, ist fraglich. Juliette und Roméo sind überfordert. Die Liebe zu ihrem Kind und zueinander reicht nicht wirklich aus, um die schwierige Situation souverän zu meistern. Es ist mehr als ungewiss, ob der Familie eine gute Zukunft ins Haus steht. Andererseits soll die Liebe ja bekanntlich Berge versetzen können. Und keine Liebe ist wohl stärker als die zum eigenen Kind!

Interessanterweise gelingt es, die alles andere als komische Erzählung in einer verblüffenden Balance von Humor und Ernst zu halten. Stilistisch irritiert das gelegentlich, etwa wenn eine rasante Videoclip-Ästhetik die Oberhand gewinnt. Entscheidend aber ist der genaue Blick auf den Alltag eines Paares, der alles andere als alltäglich verläuft, der immer wieder von Momenten großen Schmerzes, von Angst, von Ungewissheit, belastet wird. Doch gezeigt wird auch, dass trotz allen Kummers unbeschwerte Momente möglich sind.

In der Reihe von melancholisch grundierten Komödien von einigem Gewicht, wie etwa „Ziemlich beste Freunde“ oder „Best Exotic Marigold Hotel“, nimmt dieser Film durch seinen Mut, sich wirklich existenziellen Fragen zu stellen, eine Sonderstellung ein. Kein Meisterwerk. Formal wird da gelegentlich ein Purzelbaum zuviel geschlagen. Trotzdem: sehenswert – auch und gerade, da am Ende trotz allem Schrecken Hoffnung aufscheint, und weil auch dies ohne jeden Hauch von Sentimentalität geschieht.

Peter Claus

Das Leben gehört uns, von Jérémie Elkaim und Valérie Donzelli (Frankreich 2011)

Bilder: Prokino

Was haben die Märchen der Gebrüder Grimm im Kino nicht schon über sich ergehen lassen müssen. Das bundesdeutsche Kino hat auf der Höhe der so genannten Sex-Welle mit „Grimms Märchen von den lüsternen Pärchen“ zumindest titeltechnisch den absoluten Tiefpunkt markiert. Hollywoods Neuverfilmung von „Schneewittchen“ habe ich im Vornhinein nicht viel zugetraut und den Film, der bereits in der Vorwoche angelaufen ist, geschwänzt. Die freundlichen Kritiken reihum jedoch haben mich aufhorchen lassen. Und, ja: schnuckelige Unterhaltung.

Das aufgepeppte Märchen um den Kampf einer blaublütigen Stiefmutter gegen ihr Mündel und das Altern amüsiert mit flotten Sprüchen, einer bestens aufgelegten Julia Roberts in der Rolle der „bösen Alten“ und augenzwinkernden Anspielungen auf alte Zöpfe im Kampf um Gleichberechtigung der Geschlechter. Erfreulicherweise haben die Drehbuchautoren die Vorlage mit Vorsicht umgemodelt. Das Wichtigste: Sämtliche Figuren sind ernstzunehmende Charaktere. Deshalb haben auch Erwachsene einen Heidenspaß.

Die Filmhistorie muss nun nicht gleich umgeschrieben werden, ein Meilenstein des Kinos ist nicht zu bestaunen – aber ein Spaß, der nicht in die Niederungen des Zotigen abrutscht (und wenn, dann so klug, dass man einfach nur mitlachen muss!) und mit einer modernen, jedoch nie modisch-aufgemotzten Version der uralten Geschichte mitten ins Hier und Heute passt.

Peter Claus

Spieglein, Spieglein, von Tarsem Singh (USA 2012)

Bilder: Studiocanal

Die Dänen haben mal wieder einen Hit gelandet – allerdings fern von Dogma- und anderen neueren Erzählregeln. Der Kostümfilm „Die Königin und ihr Leibarzt“ folgt altgedienten dramaturgischen Mustern. Und genau darin scheint ein Grund für den Erfolg zu liegen: Jedefrau und Jedermann kann der Story um Grundfragen menschlichen Miteinanders ohne große Anstrengung folgen.

Die Geschichte folgt, basierend auf einem Bestseller, historischen Fakten: Der deutsche Arzt und Aufklärer Johann F. Struensee gewinnt in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts großen Einfluss auf den dänischen König Christian VII. und gewinnt so einige Macht im politischen Alltag. Dies insbesondere auch, weil der Monarch weithin als geisteskrank gilt. Heutigen wissenschaftlichen Erkenntnissen nach war er vermutlich manisch-depressiv. Struensee war einige Zeit der tatsächliche Regent. Was, ganz klar, die um ihre Pfründe fürchtenden Vertreter der bisherigen Macht erst zittern und dann zu Gegenmaßnahmen greifen lässt. Die tatsächliche oder eventuelle auch nur erfundene Liebe zwischen Struensee und Königin Caroline Mathilde eröffnet der Reaktion alle Mittel und Möglichkeiten, sich zur Wehr zu setzen. Als dann auch vieles darauf hindeutet, dass Struensee Caroline Mathilde geschwängert hat, ist das Schicksal des Paares besiegelt. Mit ihm wird zudem der Fortschritt aus dem Königreich verbannt.

Im Februar gab’s auf der Berlinale gleich zwei Silberne Bären. Kurze Zeit später mauserte sich der Film in Dänemark zu einem der finanziell erfolgreichsten aller Zeiten. Regisseur Nikolaj Arcel gelang eine wirksame Melange aus Krimi, Historiengemälde und Psychodrama mit einigen delikat inszenierten erotischen Szenen. Opulente Bilder und ein flotter Ton der Erzählung sorgen für Spannung und Schauwert. Beides wird vom exzellenten Darsteller-Ensemble unterstützt. Der vor einigen Jahren als „Bond“-Bösewicht bekannt gewordene Mads Mikkelsen brilliert in der Hauptrolle des Struensee mit rauem Sex Appeal und verschlagener Intelligenz. Neben ihm setzt Mikkel Følsgaard in der Rolle des Königs Glanzlichter, wofür es zu Recht einen der Berlinale Bären in Silber gab, und verleiht Alicia Vikander der Königin Schönheit und Weltgewandtheit.

Den zweiten Silber-Bär gab es in Berlin für das Drehbuch. Eine kluge Entscheidung. Denn anders als in jüngeren Filmen um historisch verbürgte Persönlichkeiten, beispielsweise „The Iron Lady“, beschränkt sich dieser Film nicht auf Anekdötchen und Privates, sondern bezieht die Zeitgeschichte kritisch mit in die Handlung ein. Dadurch bekommen die verhandelten Fragen um Moral und Mitmenschlichkeit Gewicht – und weisen über das Geschehen weit hinaus, nämlich mitten in unsere Gegenwart.

Peter Claus

Die Königin und ihr Leibarzt, von Nikolaj Arcel (Deutschland/ Dänemark 2012)

Bilder: MFA+

Bilder, Skulpturen, Popsongs, Romane, Filme, Theaterstücke und unzählige Gerüchte über ihren Aufstieg und Fall – auch fünf Jahrzehnte nach ihrem tragischen Tod ist Marilyn Monroe omnipräsent. Zu Lebzeiten von den Bossen der Filmindustrie als Inbegriff der doofen Blondine ausgebeutet, sind ihre schauspielerischen Fähigkeiten heute allgemein anerkannt. Filme wie „Bus Stop“, „Some Like It Hot“ und insbesondere „The Misfits“ zeugen davon, dass sie tatsächlich das Zeug zur herausragenden Charakterinterpretin hatte. So weit, so traurig. Doch noch ein Film? Die TV-Adaption von Joyce Carol Oates Bestseller „Blond“ hatte doch schon alles bestens gezeigt. Hatte sie eben nicht. Dieser Film erinnert auf heitere Art an die Legende mit einem Blick auf eine klitzekleine Anekdote – und erzählt damit ungemein viel über den Star, die Frau und über eine Welt, in der es Sensible, wie berühmt sie auch sein mögen, immer schwer hatten und wohl auch immer schwer haben werden.

Die Geschichte blendet zurück auf den Sommer 1956. Die 30-jährige MM (Michelle Williams) ist einer der zugkräftigsten Kassenmagneten Hollywoods. Mit ihrem kindlich-naiven Sex Appeal gilt sie als Traum aller Männer. Für den einige Jahre jüngeren Briten Colin Clark (Eddie Redmayne) ist sie das tatsächlich. Als dritter Regieassistent während der Dreharbeiten von „Der Prinz und die Tänzerin“, inszeniert von Laurence Olivier (Kenneth Branagh), der auch die männliche Hauptrolle spielt. Die weibliche spielt Marilyn Monroe, die ihren neuen Mann, den Schriftsteller Arthur Miller (Dougray Scott), im Schlepptau hat. Schlecht im Textlernen, unpünktlich, von Ängsten getrieben und deshalb launisch, erobert die Diva die Herzen der Mitarbeiter nicht. Olivier würde ihr am liebsten den Hals umdrehen. Colin Clark aber versteht sie. Er und sie liegen irgendwie auf einer gedanklichen Ebene. Was die Dreharbeiten erheblich erleichtert. Der junge Mann wird ihr Vertrauter und Mädchen für alles. Und sogar so etwas wie ein Liebhaber. So etwas? Was das heißt, sehe sich jeder selbst im Kino an!

Michelle Williams ist nicht die Monroe. Doch es gelingt ihr mit herzerweichender, erschütternder Intensität, die komplizierte Persönlichkeit der Ikone spürbar werden zu lassen- und sogar jene geradezu überirdisch erscheinende Aura, von der die Monroe einst umstrahlt wurde. Michelle Williams imitiert die Monroe gelegentlich, wenn es gilt, die Film-im-Film-Ebene zu bedienen, und sie erforscht sie, da die Monroe fern des Schweinwerferlichts beobachtet wird. Da sind denn einige zarte Szenen entstanden, die in der Filmhistorie ihresgleichen suchen.

Hat sich die Episode damals wirklich so zugetragen? Der wirkliche Colin Clark behauptet es. Falls nicht, schwindelt er überaus geschickt, indem er sich keineswegs als makellosen Helden darstellt. Eddie Redmayne spielt ihn mit gehörigem Charme und dürfte mit dieser Rolle den Grundstein für eine solide Karriere legen. Einziges Ärgernis: der eitle Kenneth Branagh als eitler Laurence Olivier. Ihm wurden von Drehbuch und Regie ein paar Szenen zu viel eingeräumt, so dass die anfängliche Freude an der ironischen Zeichnung des eitlen Superstars von anno dunnemals (dessen „Hamlet“ noch heute magische Anziehungskraft verströmt!) irgendwann in Genervtsein umschlägt. Egal: Michelle Williams lässt einen diesen einen Einwand vergessen. Die Erinnerung an Marilyn Monroe  aber bekommt durch sie neue Leuchtkraft. Man verlässt das Kino und ist sich sicher: Wenn einmal nichts von der siebten Kunst übrig sein sollte, Marilyn Monroe wird bleiben.

Peter Claus

My Week With Marilyn, von Simon Curtis (England/ USA 2012)

Bilder: Ascot Elite

Nathalie (Audrey Tautou) verliert Francois (Pio Marmai). Ein Unfall reißt ihn aus dem Leben. Die junge Frau ist verzweifelt. Erst lange, lange Zeit später, fühlt sie sich in der Lage, dem Werben eines Mannes (François Damiens) überhaupt nur Aufmerksamkeit zu schenken. Sie hat sogar den Mut zu einem ersten Schritt, einem Kuss. Die Folgen sind geradezu traumhaft schön. Doch ist dem Glück zu trauen?

Die Story ist klein, dünn, recht vorhersehbar – und zieht einen im Handumdrehen in den Bann. Das liegt vor allem an den beiden Hauptdarstellern. Audrey Tautou gibt der Nathalie mit vielen Höhen und Tiefen eine magische Aura, sorgt dabei mit ihrer darstellerischen Klasse dafür, dass sie nicht wie eine Märchenfigur anmutet. Auch François Damiens hat eine enorme Präsenz. Sein Markus ist absolut Durchschnitt mit Bauchansatz und Halbglatze. Doch Witz und Scharm, die allein schon aus den Augen sprühen, machen ihn zu etwas Besonderem. Beide zuzusehen, ist eine einzige Freude.
Die Brüder David und Stéphane Foenkinos stehen hinter dem Kino-Kleinod. David hat den Roman, der als Vorlage diente, geschrieben, hat ihn zusammen mit Stéphane auf die große Leinwand übertragen. Nach einem Kurzfilm geben die Zwei damit ihr Debüt als Regisseure eines abendfüllenden Spielfilms. Sie mögen offenkundig das klassische Erzählkino. Pure Effekthascherei bleibt aus. Es geht um die Erkundung von Seelenlandschaften. Dabei wird nicht gegrübelt, sondern selbst Schweres geradezu leichtfüßig beleuchtet. Wobei eine sensible Farbdramaturgie dafür sorgt, dass die jeweiligen Stimmungszustände der Protagonisten auch optisch erfahrbar sind. Der raffinierte Einsatz für Musik, Songs inklusive, sorgt zudem für manche Überraschung. Da muten dann sogar abgegriffene Stereotypen, wie der Eiffelturm als  d a s  Symbol für Paris als Stadt der Liebe originell an.
Die Komödie mit melancholischem Grundton hat einen sehr eigenen Charme, dem sich wohl nur verdammt hartgesottene Naturen entziehen können. Allen, die kluge Unterhaltung mögen, kann man den Film nur empfehlen.

Peter Claus

Nathalie küsst, von David & Stéphane Foenkinos (Frankreich 2011)

Bilder: Concorde

Der Algerier Bachir Lazhar (Fellag) hofft in Kanada auf politisches Asyl. Einen Job als Lehrer ergattert er schon mal. Doch das ist ein besonderer Job. Seine Vorgängerin hat sich nämlich per Suizid aus dem Leben genommen. Die Klasse ist geschockt, ja, traumatisiert. Der Zugang zu den Kindern ist also besonders schwer herzustellen. Doch Bachir hat langsam Erfolg. Den Elf-/Zwölfjährigen geht es mit der Zeit besser. Aber er selbst? Niemand ahnt, welche inneren Kämpfe er auszustehen hat. Wird er sich selbst helfen können?

Der in diesem Jahr für den „Oscar“ nominierte Film von Regisseur Philippe Falardeau basiert auf einem Theaterstück. Das ist gelegentlich zu spüren, was der Qualität keinen Abbruch tut. Diese Qualität resultiert insbesondere aus dem intelligenten Nachdenken über Probleme des Mit- und Gegeneinanders verschiedener Kulturen. Was mit großen Emotionen aufgeladen ist. Die Bildsprache ist dabei angenehm zurückhaltend, fast sachlich. So wird ein Abdriften in Gefilde des Kitsches vermieden. Wozu auch sämtliche Darsteller beitragen. Und: es wabert keine billige Musiksauce, die das Publikum unentwegt einlullen soll. Höchst angenehm! Schön auch die leise Ironie. Da gibt es zum Beispiel die Lehrerin Claire (Brigitte Poupart). Sie möchte, dass Monsieur Lazhar von seiner Vergangenheit berichtet, meint es nur freundlich, und merkt nicht, wie gutmenschelnd falsch ihre Zuwendung anmutet.

Schärfe erreicht der Film, wenn er sich mit dem Behördenalltag auseinandersetzt. Bachir  muss erleben, dass ihm das Faktum einer politischen Verfolgung abgestritten wird. Wie er dabei um Fassung, um Worte und um Haltung ringt, macht einem beklemmend klar, was es bedeuten kann, wenn man anonymen Vertretern der Demokratie, die „doch nichts als die Arbeit machen“ ausgeliefert ist. Selten gelingt es Kunst, die Verlorenheit eines Fremden derart intensiv darzustellen. Großes Kino!

Peter Claus

Monsieur Lazhar, von Philippe Falardeau (Kanada 2011)

Bilder: Arsenal

Martha (Elizabeth Olsen) ist einer Sekte entkommen. Im Landhaus ihrer älteren Schwester Lucy (Sarah Paulson) will sie zur Ruhe kommen. Doch das gelingt nicht. Ängste und Erinnerungen treiben sie in den Wahn. Rettung erscheint unmöglich!

Noch ein Horrorstück der üblichen Art? Nein. Drehbuch- und Regie-Debütant Sean Durkin gelang ein außergewöhnlicher Thriller höchst kunstvoller Art, der sich weit aus dem Durchschnitt heraushebt. Sean Durkin versteht es überaus raffiniert, Spannung aufzubauen, zu halten und permanent zu steigern. Dabei arbeitet er überwiegend überaus subtil. Der Einbruch des Irrealen in ein scheinbar ganz gewöhnliches bürgerliches Umfeld wird geradezu greifbar. Die kluge Mischung aus bedrohlich-ruhigen Bildern und oft surreal anmutenden Klang-Collagen erweist sich dabei als sehr effektvoll. Dazu sorgt die elegante Verquickung von Gegenwart und Vergangenheit, Erinnertem und Eingebildetem, für Spannung pur. Hauptdarstellerin Elizabeth Olsen agiert mit traumwandlerischer Sicherheit. Zu Recht wird sie in den USA als  die  Schauspiel-Entdeckung des letzten Jahres gehandelt.

Zu all diesen Qualitäten kommt als Entscheidendes hinzu: Der Film setzt sich durchaus ernsthaft mit gängigem Sekten-Unwesen auseinander und nutzt diese Ebene zudem dazu, über den gegenwärtigen (Geistes-)Zustand der US-Gesellschaft nachzudenken. Das geschieht tatsächlich dezent, so dass sich Freunde puren Schock-Vergnügens nicht bedrängt fühlen müssen. Doch wer das Kino auch ein wenig nachdenklich verlassen möchte, wird gut bedient.

Peter Claus

Martha Marcy May Marlene, von Sean Durkin (USA 2011)

Bilder: Fox