Das Kino entdeckt die Alten. Klar: Sie machen einen Großteil der potentiellen Kundschaft aus. Und nicht wenige von ihnen sind alles andere als knapp bei Kasse. Allerdings: Die guten Filme zum Thema Altwerden sind für ein junges Publikum genauso attraktiv. Schließlich stellt sich die Frage, wie die späten Jahre leicht und unbeschwert zu bewältigen sind, jeder und jedem. Und genau darum geht’s in diesem Fall. Stichwort: Wohngemeinschaft. Viele träumen davon. Nicht selten wird daraus ein Alptraum. Aber mit Witz und Charme kann es klappen, wie in dieser wohl temperierten Komödie.

In „The Best Exotic Marigold Hotel“ zog es eine Handvoll Privatiers ins ferne Indien. Die Ehepaare Jeanne (Jane Fonda) und Albert (Pierre Richard), Annie (Geraldine Chaplin) und Jean (Guy Bedos) und dazu Witwer Claude (Claude Rich), Freunde seit Jahrzehnten, bleiben in Frankreich. Wozu in die Ferne schweifen? Probleme gibt’s auch hier genug! Die werden heftig, als Claude von seiner Familie in ein Heim abgeschoben werden soll. Seine Freunde verhindern das. Annie und Jean nehmen ihn auf. Was Jeanne und Albert auf den Plan ruft. Tatkräftig gehen sie die WG-Gründung an. Der junge Deutsche Dirk (Daniel Brühl), der das Projekt zunächst allein mit akademischem Interesse für sein Soziologiestudium begleitet, wird mehr und mehr zum „Mädchen für alles“. So leicht, wie das Vorhaben zunächst in die Tat umgesetzt werden kann, so beschwerlich jedoch ist der Weg zu einem wirklich harmonischen Miteinander. Vergesslichkeiten, Zipperlein und ernsthafte Erkrankungen, auch Missgunst und Eifersüchteleien, über Jahrzehnte in aller Freundschaft versteckt, brechen sich Bahn. Dirk muss die Ärmel kräftig hochkrempeln. Das Quintett ist gezwungen, Leben neu zu lernen.

Als erstes locken die berühmten Schauspieler ins Kino. Absolut zurückhaltend agierend, gelingt es den Stars, ernst zu nehmende Charakterstudien zu entwickeln. Natürlich: Die Geschichte wird komödiantisch erzählt, geht nicht immer in die Tiefe. Doch blanke Oberflächlichkeit wird durch die Akteure verhindert. Regisseur Stephane Robelin hat die Sechs klug und sensibel geführt und mit ihnen das von ihm selbst geschriebene Drehbuch nahezu perfekt umgesetzt. Die an emotionalen Momenten reiche Geschichte wird angenehm unaufgeregt und betont langsam erzählt, was aber nie in Langeweile abgleitet. Ob Liebesleid und -lust oder Krankheit und Tod – viele Aspekte des Daseins, die bekanntlich völlig altersunabhängig sind, werden warmherzig aber fern von Kitsch und mit Lust am Fabulieren ohne Kalauer beleuchtet. Das Schönste daran ist, dass kein Moment lächerlich wirkt, in keinem Augenblick eine der Figuren denunziert wird. Dabei gibt es jede Menge zu lachen. Dazu reizt vor allem der von Pierre Richard mit launiger Tapsigkeit gespielte Albert, der gern mal dieses vergisst und jenes nicht wahr haben will, vor allem nicht das Alter.

Im Kreis der internationalen Berühmtheiten behauptet sich Daniel Brühl nicht nur tapfer, er bietet sogar eine seiner bisher reifsten Darstellungen. Auch er spielt erfrischend zurückhaltend und durchweg mit Augenzwinkern. In einigen sehr verhaltenen, melancholisch angehauchten Szenen mit Jane Fonda gelingt es ihm, den jungen Mann zur Schlüsselfigur der Geschichte reifen zu lassen. Diese wird dadurch nicht nur für schon ältere Kinobesucher interessant und spannend. Die Auseinandersetzung mit der Frage, wie es sich einrichten lässt, dass auch die späten Jahre glückliche werden können, sollte schließlich immer möglichst früh beginnen. An einem lässt der Film diesbezüglich keine Zweifel: wichtigste Voraussetzung für gutes Gelingen ist der Mut zur Selbstironie. Da können sich wohl die meisten von uns von den Protagonisten einiges abgucken.

Peter Claus

Und wenn wir alle zusammenziehen?, von Stéphane Robelin (Frankreich/ Deutschland 2012)

Bilder: Pandora

Schon „J. Edgar“ und „The Iron Lady“ irritierten, wenn sie nicht gar verärgerten, damit, dass sie Abziehbilder vom Leben berühmter Personen lieferten, ohne sich wirklich um deren (verheerendes) politisches Wirken zu kümmern. Nun also ein Film um Aung San Suu Kyi aus Burma (heute: Myanmar), Gallionsfigur aller Freiheitsliebenden, nicht nur in Asien. Und auch diesmal: Zeitgeschichte schrumpft zu blasser Illustration. Im Vordergrund: Herz-Schmerz, der gelegentlich gar in Kitsch versinkt.

Der Film blickt zunächst ein Vierteljahrhundert zurück: in England leben Aung San Suu Kyi (Michelle Yeoh), ihr Gatte, der Wissenschaftler Michael Aris (David Thewlis), mit den beiden Söhnen in Harmonie. Als die Mutter der jungen Frau auf Grund gesundheitlicher Probleme Hilfe braucht, zieht die Familie nach Burma, ein von politischen Unruhen heimgesuchtes Land. Von Oppositionellen gedrängt, übernimmt Aung San Suu Kyi den Vorsitz der National League for Democracy. Gebeten wird ausgerechnet sie, weil ihr Vater, ein 1947 ermordeter Vorkämpfer der Demokratie, so etwas wie ein Volksheld ist, und sich darum die Verehrung von ihm auch auf die Tochter und damit die Partei übertragen könnte. Aung San Suu Kyi gewinnt die anstehende Wahl. Doch das Militär spielt nicht mit, verhängt einen Arrest über sie und verbietet sogar den Kontakt zu den ihren. Michael, der Brite, versucht, in Europa Hilfe zu organisieren. Ausgang ungewiss.

Der Filmtitel, „The Lady“, übernimmt den Ehrentitel, den die Bevölkerung in Burma Aung San Suu Kyi gegeben hat. Das Bio-Pic über die burmesische Friedensnobelpreisträgerin aber interessiert sich dafür und für den Grund der Verehrung nur am Rande. Regisseur Luc Besson, bekannt als Mann für Actionknaller der gehobenen Art, blickt dafür umso länger auf die Liebes- und Familien-Geschichte. Er tut’s sehr lang, und leider auch sehr gefühlsduselig.

Waren es schon bei „J. Edgar“ und „The Iron Lady“ die Schauspieler, die einen halbwegs versöhnten, ist es auch diesmal so. Michelle Yeoh aus Malaysia fesselt mit einem starken, viele Nuancen bietenden Porträt. Sie war auch in der Vorbereitung die treibende Kraft, holte den Regisseur an Bord, sorgte für Geld. Der Film ist ihr also offenbar ein Anliegen. Schade, dass sie dabei nicht darauf geachtet hat, dass mehr als eine Schmonzette entsteht. Der Friedensnobelpreisträgerin Aung San Suu Kyi wird der Film in keinem Moment gerecht. Michelle Yeoh aber beeindruckt, und das insbesondere in den Szenen, da sie unaufdringlich zugleich die Kraft und die Ohnmacht von Aung San Suu Kyi zeigt. David Thewlis harmoniert bestens mit ihr. Auch er zeigt keinen pappigen Helden, sondern einen Menschen mit Ecken und Kanten, lebensprall und authentisch anmutend.

Freunde exzellenter Schauspielkunst werden gut bedient, politisch interessierte Filmfans nicht. Schade, dass der Gesamteindruck darum recht zwiespältig ausfällt.

Peter Claus

The Lady, von Luc Besson (Frankreich/ Großbritannien 2011)

Bilder: Universum (Walt Disney)

Die Teenies im Freundeskreis, durchweg lesehungrige kluge junge Leute, die „Harry Potter“ mit Sympathie und den „Biss…“-Vampiren mit Ironie begegnet sind, kreischen angesichts dieses Spektakels vor Begeisterung und rennen mehrfach ins Kino. Also bin ich mitgerannt – und staune: Das Fantasy-Abenteuer erweist sich als äußerst düsterer Blick in eine mögliche Zukunft und damit in unsere Gegenwart. Nichts da von weltfremdem Trallala, knallhart geht’s zu.

Gezeigt wird eine kaputte Welt. Zerbrochen sind nicht allein, wie schon heute, die alten Wertvorstellungen, nein, die materielle Welt ist am Bröckeln. Naturkatastrophen haben die Menschheit in die Schranken verwiesen. Im Land Panem herrscht nun aber nicht schlichte Menschlichkeit, sondern das Geld. Das regiert im sogenannten Kapitol. In zwölf Distrikten leben die, die vom Kapitol aus ausgesaugt werden. Was zu Aufständen geführt hat, die brutal zerschlagen worden sind. Nicht genug damit, fordert der Präsident (Donald Sutherland) aus Rache alljährlich einen Tribut: pro Distrikt müssen ein Junge und ein Mädchen im schönsten Jugendalter entsandt werden, die dann in einem inszenierten Medien-„Spiel“ gegeneinander antreten, einem „Spiel“ auf Leben und Tod. Als Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) und Peeta Mellark (Josh Hutcherson) von Haymitch Abernathy (Woody Harrelson) auf ihre Einsätze vorbereitet werden, beginnt ein Kampf gegen die Allmacht des Bösen. Es sieht lange nicht so aus, als gäb’s dabei für die jungen Leute auch nur die kleinste Chance auf einen Sieg.

Für Spannung also ist gesorgt. Das aber wird im Verlauf des Geschehens fast nebensächlich. Regisseur Gary Ross und seine beiden Drehbuchmitautoren haben die Bestseller-Adaption entsprechend der Vorlage ganz auf gesellschaftskritische Fragestellungen ausgerichtet. Der Gedankenreichtum ist höchst publikumswirksam verpackt. Gebildete Zuschauer haben sofort viele Assoziationen, die über das Unvorstellbare in den deutschen Konzentrationslagern der Nazis bis zurück zum Gladiatoren-Horror im Alten Rom reichen, die aber auch heutige Schauplätze des Schreckens in unserer Welt einbeziehen.

Naive Zuschauer werden spätestens dann hellwach, wenn die blutigen Spiele ins Zentrum rücken – klare Weiterentwicklungen von gegenwärtigem TV-Müll wie „Deutschland sucht den Superstar“ oder „Dschungelcamp“. Nicht nur erinnert der eklig-salbungsvolle Moderator Caesar (Stanley Tucci) an Typen, die Fernsehkonsumenten bis zum Erbrechen kennen. Wichtiger: Es wird ohne vordergründiges Draufherumreiten deutlich, dass hier Menschen verheizt werden, um Geld zu machen – via Massenvermarktung des Schreckens als Show. Klar wird auch: diverse sogenannte „soziale“ Netzwerke im Internet sind bereits Vorstufen derartigen Übels. Das ist harte Kost. Mit überraschender Wirkung, die ich, natürlich absolut nicht repräsentativ, bei einzelnen jungen Kino-Fans beobachten konnte: Sie haben ihre Netzwerk-Konten im Internet abgemeldet und gehen auf Emanzipationskurs in Sachen Kommunikation. Bleibt zu hoffen, dass dies Schule macht – und dass die zwei noch folgenden Teile der Trilogie die gleiche Klasse haben wie dieser erste.

Peter Claus

Die Tribute von Panem – Tödliche Spiele, von Gary Ross (USA 2012)

Bilder: Studiocanal

„Elles“ heißt der Film im französischen Original. Das ist eine neckische Anspielung darauf, dass die Hauptfigur als Journalistin für das Edel-Magazin „Elle“ arbeitet. Ansonsten geht’s hier gar nicht neckisch zu. Die Journalistin, deren Leben auf den ersten Blick perfekt arrangiert zu sein scheint, trifft für eine Reportage auf zwei Studentinnen, die ihre gar nicht perfekte Existenz mit Prostitution absichern müssen. Konfrontationen und Konflikte also sind programmiert.

Regisseurin Małgorzata Szumowska hat ein Händchen dafür, die eher konventionell anmutende Story unkonventionell umzusetzen. Und sie hat mit Juliette Binoche eine charismatische Hauptdarstellerin, die das Publikum geradezu magisch anzieht. Sie spielt die Journalistin Anne. Aus dem Versuch, eine Reportage über das „älteste Gewerbe der Welt“ zu schreiben, wird eine Selbsterfahrungsreise, die bis an die Grenze des Erträglichen geht. Charlotte (Anaïs Demoustier) und Alicja (Joanna Kulig), die beiden jungen Frauen, existieren nur scheinbar in der gleichen Kultur wie Anne. Tatsächlich haben die Beiden völlig andere Auffassungen von dem, was ein erfülltes Dasein sein sollte. Vor allem aus dem Aufeinanderprall dieser unterschiedlichen Auffassungen resultiert die Spannung des Films. Insbesondere die exzellente Kamera sorgt dabei für Doppeldeutigkeiten. Viele Bilder entlarven das, was weithin als bürgerliche Sicherheit gilt (schicke Möbel, tolle Klamotten, materieller Wohlstand allgemein) als Lug und Trug. Journalistin Anne wirkt in zahlreichen Momenten einfach nur verloren, während die sich mit -x Problemen herumschlagenden Studentinnen stets mitten im Leben zu stehen scheinen. Erfreulich: der Job der Amateurnutten wird nie reißerisch in Szene gesetzt. Regisseurin Małgorzata Szumowska und ihre Drehbuchmitautorin Tine Byrckel haben ein feines Gespür für pralle Charakterzeichnungen. Die Schauspielerinnen entsprechen dem perfekt. Dazu kommt die Fähigkeit der Regisseurin, in einer eleganten Inszenierung sichtbar zu machen, was mit bloßem Augen nicht wirklich zu sehen ist, etwa das Geflecht kultureller Muster, in dem sich die Protagonistinnen bewegen. Das ist sehr spannend. Und das ist aufschlussreich. Man fragt sich nämlich als Zuschauer, zwischen welchen von den Strippenziehern der Macht gezogenen Grenzen eigentlich das eigene Leben abläuft bzw. stagniert.

Peter Claus

Das bessere Leben, von Małgorzata Szumowska (Deutschland/ Frankreich/ Polen 2012)

Bilder: Zorro

Es hagelt Verrisse. Und ich wundere mich. Sicher: diese launige Klamotte haut die Filmhistorie nicht um. Es ist nichts als ein Spaß. Aber warum da mit der Keule drauf?

Gestritten wurde schon um das Buch, das von der Mehrheit der Rezensenten geradezu gefeiert wurde, was ich nun wiederum nie verstanden habe. Der in Berlin lebende Moskauer Wladimir Kaminer hat vor zwölf Jahren mit „Russendisko“ seinen schillernden Ruf als hauptstädtischer Szenestar endgültig etabliert – und kräftig die Selbstvermarktungsmaschinerie angeworfen. Unbestritten: Kaminer ist ein begnadeter Plauderer, ein Mann, der es versteht, sich immer gut im Rampenlicht in Szene zu setzen, dessen Lesungen, ob als Ein-Mann-Show oder im Ensemble, schon allein durch seine Präsenz hohen Unterhaltungswert haben. Da kommt es dann auch gar nicht immer so genau darauf an, ob das, was der wuchtige Kerl erzählt oder liest, sonderlich gehaltvoll ist. Die von eigenem Erleben geprägten Kurzgeschichten, die er 2000 unter dem Titel „Russendisko“ veröffentlichte, wurden denn auch vielfach von denen, die ihn beim Lesen im Ohr und vor Augen hatten, bejubelt. Wer den Mann nicht kannte, reagierte hingegen verhaltener. Angesichts des Films wiederholt sich das wahrscheinlich in gewisser Weise. Kenner der Vorlage könnten sich abwenden, andere einfach nur amüsieren.

Die Streitfrage zum Buch war: Ist das Literatur oder Journalismus? Zweifellos sind die Geschichten vom Weggehen aus Russland und vom Ankommen und Nichtankommen! in Deutschland sprachlich schillernde Zeugnisse eines Lebensgefühls, dass man damals mit dem Begriff „Spaßgesellschaft“ zu fassen versuchte. Davon ausgehend einen Spielfilm zu drehen, ist gewagt. Denn die konkreten Kino-Bilder verlangen auch konkrete, handfeste Storys und Charaktere, um ein großes Publikum zu fesseln. Kein Wunder, dass Produzent Christoph Hahnheiser Jahre brauchte, ehe er den Plan der Verfilmung tatsächlich realisieren konnte. Angeblich sind -x Drehbuchautoren, darunter Wladimir Kaminer höchstpersönlich, an dem Unterfangen gescheitert. Oliver Ziegenbalg gelang schließlich mit dem Mut zur Radikalität ein verfilmbares Drehbuch. Der mutige Einfall Ziegenbalgs: Er erfand drei Freunde, die zusammen von der Wolga an die Spree wollen und kommen. Damit gibt es ein Erzählgerüst, in dem sich Episoden und Anekdoten gut verankern lassen. Den Geist der Vorlage bewahrend, hat Ziegenbalg also, nach Differenzen mit einem Vorgänger während der Dreharbeiten vom Produzenten auch gleich als Regisseur verpflichtet, nicht Kaminers Buch adaptiert, sondern sich davon zu einem eigenen Kunstwerk anregen lassen. Angenehmer Nebeneffekt, der einem als erstes auffällt: Viel Plapperndes ist weggefallen. Aber es fällt mehr auf: ein guter Spannungsbogen, angenehmer Witz, der oft intelligenter ist als in der Vorlage, und vor allem exzellente Schauspieler.

Die Story: Wladimir (Matthias Schweighöfer) und seine Freunde Mischa (Friedrich Mücke) und Andrej (Christian Friedel) verlassen 1990 die in sich zusammenbrechende Sowjetunion der Gorbatschow-Ära. Ihr Ziel: Berlin. Die Stadt, noch in West und Ost geteilt, aber hoffnungstrunken schon im ersten Taumel vermeintlicher Prosperität, erweist sich als wahre Traumstation für das Trio. Materielle Probleme gibt es keine. Das nötige Kleingeld fürs Vergnügen wird zur Not selbst mit Schmuddelgeschäften, wie dem Verhökern von Bier, besorgt. Allerdings ist nicht alles rosarot. Über dem Trio schwebt mit düsterer Wucht die Gewissheit, dass nur Wladimir und Andrej eine unbegrenzte Aufenthaltserlaubnis haben. Mischa droht nach kurzer Zeit des kleinen Glücks die Abschiebung. Was natürlich verhindert werden muss. Da kommen dann wahre Liebe und käufliche Lust ins Spiel. Mischa wäre ja schließlich nicht der erste, der sich in eine neue Existenz hineinheiraten würde. Doch wie das nicht selten so ist: Selbst zündende Ideen verpuffen gelegentlich in kläglichem Kleinmut. Ob es für das Trio so was wie ein Happy Ende gibt, bleibt lange, lange ungewiss, und damit die Spannung groß.

Matthias Schweighöfer, Friedrich Mücke und Christian Friedel nehmen mit dem Charme liebenswerter Käuze sofort ungemein für sich ein und ziehen das Publikum damit in ihren Bann. Optimist Wladimir, Künstlerseele Mischa und Grübler Andrej, die liebenswerteste Figur, sind ideale Protagonisten. Dank der Darsteller werden selbst auf den ersten Blick oberflächlich anmutende  Partyszenen zu durchaus differenzierten Bildern jener kurzen Zeitspanne, da nach dem Mauerfall und vor der Globalisierung und deren Folgen eine Blüte der bürgerlichen Gesellschaft in Westeuropa anzubrechen schien. Das Wissen des heutigen Zuschauers darum, dass die Unbeschwertheit rasch vergehen wird, gibt dem Geschehen das Leuchten des Besonderen, Kurzlebigen. Schade, dass sich der Autor und Regisseur Oliver Ziegenbalg nicht durchgängig auf die Wirkung des Einfangens von ungeschminkter Realität verlässt. Einiger Schnickschnack, wie etwa völlig überflüssige Zeichentrickmomente, bringen keinen Gewinn, stören nur.

Der Film hat mit der Vorlage außer dem Titel nur wenig gemein. Was ich höchst angenehm finde. Die Melange aus Witz, Kalauern, Melancholie und Rückschau auf ein Berlin, das es so nur ein paar Monate gab, ist rundum vergnüglich. Und wenn dann das Vergnügen verrauscht ist (was schnell geschieht), bleiben einem sogar ein paar Gedanken ernsthafterer Art zur Zeitgeschichte.

Peter Claus

Russendisko, von Oliver Ziegenbalg (Deutschland 2012)

Bilder: Paramount

Christen und Moslems in einer Gemeinschaft? Krise! Das muss aber nicht sein. Jedenfalls nicht, wenn sich die Menschen die Weisheit der Frauen in dieser launigen Komödie zu eigen machen. Die Geschichte, die sich aus vielen kleinen und kleinsten Geschichtchen zusammensetzt spielt in einem Dorf in einem nicht genau bezeichneten Land im Nahen Osten.  Zwischen den Religionsgruppen kommt es zu Spannungen, als sich die Lage draußen im Land verschärft. Die Minen, bisher allein ums Dorf herum, drohen nun auch hier, wo Moschee und Kirche nur ein paar Schritte voneinander entfernt stehen, zu explodieren. Die Männer jedenfalls sind auf Gewalt programmiert. Anders die Frauen. Klug, wie sie sind, setzen sie auf Mutterwitz. Und siehe da: Es könnte doch auch alles anders verlaufen als meist gewohnt!

Die aus dem Libanon stammende Autorin, Regisseurin und Schauspielerin Nadine Labaki, deren „Caramel“ in bester Erinnerung ist, setzt auf Lachen und Herzensgüte. Ihre einige ernste Töne anschlagende Komödie erzählt, ganz klar, ein Märchen, manifestiert einen Wunschtraum. Das Grauen, das etwa derzeit aus Syrien via Fernsehen um die Welt geht, spielt bei ihr keine wirkliche Rolle. Allerdings hütet sie sich auch vor simplen Verniedlichungen, indem sie durchweg mit ihrer leichtfüßigen Inszenierung das Märchenhafte der Geschichte betont.

Antiken Vorbildern folgend machen die Frauen dem Irrsinn ein Ende, indem sie sich den Männern entgegen stellen – jedoch nicht militärisch, sondern listig. Sie zerstören die Lautsprecher des Dorf-TV, damit die Mannsbilder keine gewaltdurchtränkten Nachrichten mehr erreichen, sie setzen auf Erotik durch Stripperinnen, mischen Berauschendes oder benebelndes ins Essen, damit die Kerle außer Gefecht gesetzt werden. So wie die Frauen in der Geschichte, Verschiedenstes nutzen, mixt Nadine Labaki Elemente verschiedener Genres wild und fast zügellos, vor allem Musical, Tragödie, Komödie. Als Europäer mag man erst einmal denken, dass den Spannungen so wohl kaum beizukommen sei. Immerhin: der Film setzt Hoffnung in die Welt, dass dem doch so ist. Ein erster, klitzekleiner Schritt. Aber immerhin: ein Schritt!

Peter Claus

Wer weiß, wohin?, von Nadine Labaki (Frankreich/ Libanon 2011)

Bilder: Tobis

2007 machte Autor und Regisseur Jeff Nichols nachdrücklich mit der Kain-und-Abel-Variante „Shotgun Stories“ auf sich aufmerksam. Das Bruder-Drama überzeugte insbesondere auch, weil der Film – fern von vordergründigen Verweisen – als Bild des desolaten Zustands der US-amerikanischen Gesellschaft zu lesen war. Genau das macht auch seinen neuen Film sehenswert.

Jeff Nichols zieht das Publikum mit einem intelligenten Psychodrama in seinen Bann. Die Geschichte spielt im US-amerikanischen Bundesstaat Ohio. Hier lebt Curtis LaForche (Michael Shannon) mit seiner Frau Samantha (Jessica Chastain) und der sechsjährigen gehörlosen Tochter Hannah (Tova Stewart) in einer Kleinstadt. Auf den ersten Blick sieht das Familienleben recht angenehm aus. Zwar kann von Wohlstand keine Rede sein, aber ebenso wenig von Armut. Aber: Curtis wird von düsteren Träumen heimgesucht, in denen ein Orkan alles Leben hinwegfegt. Von den Visionen bedrängt, beginnt er mit dem Bau eines Schutzbunkers. Niemand nimmt ihn ernst. Doch er kommt nicht zur Besinnung. Es sieht so aus, als würde das vermeintliche Fehlverhalten des Mannes, sein Abrücken von der von allen für unverrückbar gehaltenen Realität, zwangsläufig zu einer Katastrophe führen.

Erst einmal ist das ein handfester Psychothriller, eine profunde Studie persönlichen Abdriftens in eine kranke Welt. Doch das ist ebenso eine Parabel auf das „Verrücktsein“ der gegenwärtigen USA, die Pervertierung des ur-amerikanischen Traums vom Land der unbegrenzten Möglichkeiten. Der Film zeigt, dass sich unter gewissen Umständen eben auch das Böse, das Kranke, das Grausame unbegrenzt entfaltet. Aber: Wer mag, kann sich ganz ohne Reflexionen in den Sog der Geschichte vom Abdriften eines vielleicht oder wirklich oder überhaupt nicht geisteskranken Mannes ziehen lassen.

Jeff Nichols, verantwortlich für Drehbuch und Regie, lässt sich Zeit beim Erzählen. Er kultiviert eine unheilvolle Ruhe. Die Hauptfigur ist durchweg in der Schwebe zwischen Wachen und Wahn. Das steigert damit die Spannung beträchtlich. In den Landschaftsbildern scheint hinter allem Schönen stets Bedrohung zu lauern. Curtis LaForche wirkt in diesen Szenerien, von denen nie klar ist, ob sie Realität oder Traum sind, wie ein bis zur Weißglut angespanntes wildes Tier im Käfig. Michael Shannon, der schon in „Shotgun Stories“ beeindruckte, spielt den Curtis mit machtvoller körperlicher Präsenz. Einerseits zeigt er das virile Arbeitstier, andererseits lässt er in müden Blicken und schlaffen Gesten den verunsicherten Grübler aufscheinen. Schließlich wurde einst bei Curtis’ Mutter eine Schizophrenie diagnostiziert. Hat ihn die Krankheit eingeholt? Als Zuschauer bangt man mit dem Protagonisten, dass die Antwort „Nein“ ist. Doch das hieße, dass tatsächlich ein alles vernichtender Orkan droht. Zusammen mit Curtis gerät man also in einen Teufelskreis der Gefahr, aus dem kein Entrinnen möglich scheint. Neben Michael Shannon fasziniert Jessica Chastain als um Verständnis bemühte Ehefrau. Die junge Schauspielerin, die im Vorjahr mit Hauptrollen in gleich sieben Spielfilmen beeindruckte, zeigt mit kühler Präzision im Vorführen kontrollierter Angst, dass sie zu den gegenwärtig größten Talenten Hollywoods gehört. In einer Schlüsselszene des Films ist für einen Moment unklar, ob die von ihr gespielte Frau wirklich gute Gefährtin oder durchtriebenes Monster ist. Mit einem einzigen Blick baut Jessica Chastain eine enorme Spannung auf. Da hält man als Zuschauer wirklich die Luft an. Kameramann Adam Stone unterstützt Regie und Schauspiel, indem er ein nahezu in Grau erstickendes Land beschwört, eine Heimstadt der Verzweiflung, ein Zuhaue, das keinen Halt bietet.

Am Ende gibt es einen wahrlich überraschenden Twist. Jeff Nichols kassierte dafür von einigen Kritikern ziemliche Schelte. Was ich nicht nachvollziehen kann. Gerade das Finale entlässt einen in die beunruhigende Situation, durch Curtis LaForche die Schattenseiten des eigenen Daseins wahrzunehmen.

Peter Claus

Take Shelter, von Jeff Nichols (USA 2011)

Bilder: Ascot Elite (24 Bilder)