Viel Spaß, viel Schauwert und wenig Mitgefühl - Die drei Musketiere im neuen Gewand

Immer diese Schlampe. Mylady verfolgt uns nun schon seit unserer Jugend und seit damals hassen wir sie von Herzen und warteten bang, ob es der liebreizenden Constance doch einmal gelingen möge, der Schlampe zu entkommen. Dieses Mal gelingt es, und die Schlampe ist gar nicht so schlimm. Allerdings, wenn sie D’Artagnans Liebste wiederum gemeuchelt hätte, es würde uns weniger betroffen haben als vor Zeiten. Und das ist vielleicht ein kleines Problem dieser im Übrigen sehr unterhaltsamen und teuren deutschen Produktion. Zum Rest des Beitrags »

Die -xte Verfilmung des berühmten Abenteuerromans – die bisher wohl überflüssigste. Viel Tricktechnik, noch mehr Kriegsgerassel, dafür keine Figurenzeichnung, kein Charme, kein Witz. 17. Jahrhundert. Das, was die Mär von Athos, Porthos, Aramis und D’Artagnan im Roman und den bisherigen Leinwandadaptionen vor allem ausmacht, das Hohelied auf unverbrüchliche Freundschaft, fehlt völlig.

Immerhin: Die 3D-Technik wurde nicht inflationär eingebaut, sondern gezielt und damit geschickt. Ansonsten: Langeweile.

Peter Claus

The Three Musketeers, Paul S.W. Anderson (Frankreich/USA/Großbritannien/Deutschland 2011)

Bilder: Constantin Film

Guido (Valerio Mustandrea), der Schriftsteller, will konzentriert arbeiten. Frau und Tochter lassen ihn allein. Nichts steht dem guten Vorsatz im Wege. Dann lernt er Giulia (Valeria Golino), die Schwimmlehrererin seiner Tochter, kennen. Und schon verändert sich sein Schreiben, wird er selbst ein neuer Mensch. Alles aus Liebe. Seine Frau versucht verzweifelt, ihn zurückzugewinnen. Doch die Chance dazu erscheint minimal.

Regisseur Guiseppe Piccioni hat zunächst den Mut zu stilistischer Originalität. Man wähnt sich in einem dunklen Märchen. Im Verlaufe des Geschehens jedoch konzentriert er sich mehr und mehr auf die Romanze und setzt dabei auf filmische Routine. Das schmälert das Vergnügen.

Die schönsten Momente des Films sind die, in denen die Figuren des Buches, an dem der Schriftsteller gerade arbeitet, lebendig werden. Das ist herrlich surreal und gibt der Geschichte von der Verrücktheit des Liebens den adäquaten, reizvollen Rahmen. Auch sonst gibt es manch überraschende Wendung. Das hält einen als Zuschauer bei Laune. Und dann ist da Valeria Golino, vor etwa zwanzig Jahren eine der Hoffnungen des italienischen Kinos. Ihre Darstellung wirkt wie das späte Einlösen dieser Hoffnungen. Nicht mehr blutjung aber noch immer von mädchenhaftem Charme verleiht sie der Figur der Giulia, die scheinbar von einem Geheimnis umgeben ist, eine große Anziehung. Wer Schauspielkunst von flirrender Intensität schätzt, wird durch Valeria Golino für alle Schwächen des Films reichlich entschädigt.

Peter Claus

Giulia geht abends nie aus, Guiseppe Piccioni (Italien 2009)

Bilder: Cine Global Filmverleih

Der überdrehte Titel lässt Schlimmstes befürchten. Das tritt dann nicht ein. Doch eitel Freude will auch nicht aufkommen. Liebe, Hass und alles Mögliche an emotionalem Auf und Nieder wird hier wie in einem Grabbeltisch am Eingang zu einem Billigsupermarkt angeboten. Zwei Mädchen zwischen Kindheit und Erwachsensein auf der Suche nach sich selbst. That’s it. Das nicht gerade originelle Thema wird optisch durch viel Firlefanz aufgemotzt. Wahrhaftigkeit wird dadurch nicht erreicht.

Gedreht hat den Film die bildende Künstlerin Ziska Riemann. Ihr Gespür für Pop peppt den Film durchaus auf. Nur: Die Verpackung ist sehr viel attraktiver als der Inhalt. Das langweilt denn doch arg rasch. Da verfliegt die Freude an der stilistischen Originalität bald, macht erst Ratlosigkeit, dann sogar einigem Ärger Platz. Ärger, weil hier ein wichtiges Thema an gestalterische Eitelkeiten verraten wird.

Peter Claus

Lollipop Monster, Ziska Riemann (Deutschland 2011)

Bilder: Salzgeber & Co.

Mutti hat ‘ne Macke – und die Kinder knallen durch. Drei Gören sind es, alle sehr lieb, durchweg angenehm. Und die Frau Mama ist es ja eigentlich auch, wär‘ da nicht ihr Hang zu Sex, Suff und anderen nicht unbedingt kindgerechten Vergnügungen. Klar, dass Ärger programmiert ist.

Die Story ist etwas zu wild konstruiert, die Regie hingegen ein wenig zu zögerlich, doch Meret Becker als Muttertier ist schlichtweg grandios. Die Schauspielerin legt eine absolut sehenswerte Performance hin, denunziert diesen schrägen Vogel namens Roberta nie, polstert deren Ecken und Kanten jedoch ebenso wenig mit falscher Gefühligkeit ab. Damit hält sie den mitunter leider ein bisschen zu sehr ins Fantasieren abgleitenden Film in der Waage zwischen Realismus und Surrealismus. Großartig! Wer profunde Schauspielkunst genießen möchte, sollte sich Meret Becker unbedingt ansehen – und alles andere weitestgehend ignorieren. Wobei: Wer trotz etwas zu grob gestrickter Geschichte Lust hat, darauf zu achten, wie sie entwickelt wird, stellt erstaunt fest, mit welcher Ernsthaftigkeit hier – bei allem Hang zum Exzentrischen – über die Schwierigkeit des Erwachsenwerdens nachgedacht wird.

Peter Claus

Fliegende Fische müssen ins Meer, Güzin Kar (Deutschland / Schweiz 2010)

Bilder: Movienet/24 Bilder

Ein Typ wacht unter der gleißenden Sonne des Wilden Westens auf. Wer er ist, woher er kommt, wohin er will – er weiß es nicht. Andere halten sich für schlauer. Der Mann ohne Gedächtnis ist ein lang gesuchter Gangster. Also ab in den Käfig des Sheriffs. Da sitzt schon der blöde Sohn des Oberfieslings der Gegend, ein Rüpel schmutzigsten Wassers. Die zwei sollen ins nächstgrößte Gefängnis abtransportiert werden. Doch da greift der Himmel ein: Von dort aus nämlich greifen Aliens an. Und es sieht ganz danach aus, als stehe der Gangster, der ja vielleicht nur behauptet, von nichts und niemand eine Ahnung zu haben, irgendwie in Kontakt mit den Boten der Hölle. Kurz und logisch: Action ist angesagt.

Endlich mal eine originelle Idee: Außerirdische im Herzen des US-amerikanischen Mythos‘. Schräger geht’s kaum. Regisseur Jon Favreau hat mit Schmackes inszeniert, seine Stars – Harrison Ford, Daniel Craig und TV-Circe Olivia Wilde spielen fröhlich zum Ulk der etwas gehobenen Art auf. Ein runder Spaß.

Trotzdem meckert die Mehrzahl der Kritiker. Da wird Innovation eingeklagt, wo ein solider Regie-Handwerker gar keine bieten will, sondern nichts als unbeschwert amüsieren. Der Film löst ein, was er verspricht. Dazu betört er auch noch mit dem Charme guter alter Hollywood-Schinken, in denen Männer noch Kerle sein durften und Frauen Weiber. Wenn er das dann sogar in einer übersinnlich-durchgeknallten Szene knallhart ironisch bricht, kriegt der Film für Momente sogar ein besonderes Format.

Nein, keine Filmkunst, aber handfester Kintopp wird geboten. Wer sich locker, ohne ein Übermaß an Computertricks (klar, ein paar gibt’s) und vor allem ohne die modischen ausufernden Gewaltdarstellungen amüsieren möchte, sitzt im richtigen Film.

Peter Claus

Cowboys & Aliens, Jon Favreau (USA 2011)

Bilder: Paramount Pictures

Schon vor einer Woche gestartet, aber auf Grund einer eher überschaubaren Zahl an Kopien wohl – hoffentlich! – noch lange auf Tour. Die Geschichte ist sehr klein: In die Jahre gekommene Schauspielerin ohne Fortune (hinreißend selbstironisch verkörpert von Ellen Barkin) zieht sich zurück. Zwischen schrillen Erinnerungsfetzen und der Langeweile angesichts öder Nachbarn schlingert sie nun durch einen Alltag ohne Höhepunkte. Das ist schon alles. Ein Nichts. Doch Inszenierung und Hauptdarstellerin machen daraus großes Kino voller menschlicher Wahrheiten. Das Versinken der Ex-Diva in Depression wird genau gespiegelt, ohne dass zu schrillen Mitteln gegriffen wird. Schwarzweißbilder von kühler Schärfe sorgen dafür. Und dann die Barkin! Spielt sie sich selbst? Ich weiß es nicht. Zumindest dürfte sie eigene Erfahrungen in die Gestaltung eingebracht haben. Vor zwanzig, fünfundzwanzig Jahren als eine der heißesten Frauen Hollywoods gehandelt, ist es in den letzten Jahren doch recht still um sie geworden. Feierte sie einst mit komplexen Frauenfiguren wie in dem Erotik-Thriller „Sea of Love“ (1989/90) an der Seite von Al Pacino Triumphe, die auf eine Riesenkarriere hindeuteten, blieb diese dann aus. Ellen Barkin passte nicht ins gängige Raster – zu eckig, zu eigenwillig, äußerlich und innerlich. Man sah sie immer mal in Nebenrollen. Nun also – endlich – in einem großen Part, der ihr sehr viel abverlangt, vor allem auch den Mut zu schonungsloser Offenheit.

Peter Claus

Shit Year, Cam Archer (USA 2010)

Bilder: Salzgeber

In den 1970er Jahren galt Italien als führend in Sachen Betreuung psychisch Kranker. In der Theorie. Die Praxis sah anders aus. Es fehlte allenthalben an Mitteln und Möglichkeiten. Tiefpunkt der Misere: 1978 wurden sämtliche psychiatrischen Anstalten dicht gemacht. Inzwischen hat sich die Lage zwar wieder etwas verändert, aber das entsprechende Gesetz gilt nach wie vor. Folge: Viele finanzschwache Gemeinden müssen auf Deibel komm raus Sorge für ihre kopfkranken Mitbürger tragen.

Das überaus ernste Problem ist Ausgangspunkt dieser Komödie. Regisseur Giulio Manfredonia hat sie mit bezwingender Leichtigkeit inszeniert, ohne je ins Grobschlächtige abzudriften. Der Film, der in Italien einen riesigen Publikumszuspruch hatte und dort als „Oscar“-Favorit galt, kommt jetzt – mit drei Jahren Verspätung! – in die deutschen Kinos. Dem Verleih sei Dank!

Die Story führt in die frühen 1980er Jahre nach Mailand. Nello (Claudio Bisio), ein politisch linker Mann der Gewerkschaft, wird Leiter einer Arbeitsgruppe für elf psychisch Kranke. Es sollte kein Problem sein, denn dank reichlicher Medikamentenzufuhr können die „Irren“ in Schach gehalten werden. Doch Nello will wirklich etwas bewirken. Er schafft es, dass seine Schäfchen nicht nur in sinnloser Beschäftigungstherapie vergammeln, sondern als Parkettleger auf dem freien Markt groß raus kommen.

Das Drehbuch und Hauptdarsteller Claudio Bisio sorgen mit klugen Gags und einiger Gefühlstiefe dafür, dass Nello nicht zur Karikatur eines Heiligen verkommt. Der Mann vertritt durchaus handfeste kapitalistische Interessen. Doch er bleibt immer Mensch. Das macht ihn schließlich zu so etwas wie einem Wohltäter. Da die Geschichte auch Trauriges nicht ausspart, Misserfolge beruflicher und privater Art beispielsweise, bleibt sie durchweg glaubwürdig. Und nicht allein das. Sie entwickelt eine mitreißende Dynamik, der man sich nicht entziehen kann – wenn man Komödien mag, die bei allem Witz sehr genau Wirklichkeit spiegeln.

Peter Claus

Wir schaffen das schon, Giulio Manfredonia (Italien 2008)

Bilder: Kairos Filmverleih 

Woody Allen lässt uns staunen. Nein, nicht weil ihm wieder ein überaus charmantes und skurriles Kino-Märchen gelungen ist, sondern weil er aus Owen Wilson einen Schauspieler gemacht hat.

Bisher vor allem als mehr oder weniger munterer Clown bekannt, darf der Blondschopf diesmal wirklich einen Charakter gestalten. Der, ein Drehbuchautor mit wilden Hoffnungen auf die große respektable Karriere als ernst zu nehmender Schriftsteller, stürzt in Paris in noch wildere Träume: Zur Geisterstunde taucht er ab ins Paris der 1920er Jahre. Dort trifft er Ikonen wie Ernest Hemingway, Pablo Picasso, F. Scott Fitzgerald samt Gattin Zelda und Cole Porter, und Gertrude Stein fehlt natürlich auch nicht.

Aha, ein Film für Bücherwürmer und Literaturkenner. Unsinn! Selbst wer von all den berühmten Leuten, die da auftauchen, noch nie etwas gehört hat, kann sich köstlich amüsieren. Einzig nötige Voraussetzung: man muss Spaß an eher leiserem Humor und skurrilem Witz haben!

Woody Allen zeigt keine Wirklichkeit, weder in den Szenen, die in der Gegenwart spielen, noch in denen, die in die Vergangenheit entführen. Stattdessen spielt er lustvoll mit allen sattsam bekannten Klischees. Damit wird der Spaß auch zu einer Liebeserklärung an die französische Hauptstadt, allerdings, an eine Stadt, die es so nie gab und wohl auch nie geben wird.

Owen Wilson liefert als Gil Pender seine bisher beste Darstellung ab. Es wäre leicht gewesen, den naiven Träumer als Trottel zu denunzieren. Doch das bleibt aus. Gil wird, wie der Handlungsort, zum Ideal eines sensiblen Menschen, der seinen ganz persönlichen Idealen kompromisslos zu folgen versucht. Neben und mit ihm agiert ein Star-Ensemble, das sich sehen lassen kann, und das offenkundig voller Lust agiert, mag der Auftritt auch noch so klein sein.

Peter Claus

Midnight in Paris, Woody Allen (USA 2011)

Bilder: Concorde Filmverleih